Los Restos del Naufragio

DEMO LRN - Grabaciones Clandestinas

2009-02-10T13:02:00.000-08:00

Cdad de Buenos Aires: Interrupción de los FondoBA

2008-12-31T11:25:00.000-08:00

LITERATURA › LA INTERRUPCION DE UNA LINEA DE SUBSIDIOS PARA EDITORIALES
La última cruzada contra los libros
Los sellos independientes reclaman por la eliminación de un programa del gobierno porteño que estimulaba mayor riesgo creativo e intelectual que el de los títulos comerciales. “Ayudaba a crear nuevos nichos de mercado”, explican.

Por Silvina Friera

El año no termina con buenas noticias para los editores independientes. Hay malestar, preocupación y una indignación, contenida con vanas promesas, que ahora estalló. En una carta pública, la asociación de Editores Independientes de la Argentina por la Diversidad Bibliográfica (Edinar) rechaza la eliminación por parte del gobierno de la ciudad de los subsidios al sector editorial que se venían otorgando en los últimos años a través de la Dirección General de Industrias Culturales, hoy convertida en Dirección General de Industrias Creativas, a cargo de Alejandra Ungaro. “Además de otras políticas públicas culturales, los programas de subsidios a la edición fueron las que mejores resultados tuvieron. Con un aporte económico estatal muy moderado (se cubría del 50 al 70 por ciento de los proyectos con un tope de 30.000 pesos por proyecto), se lograron excelentes resultados, fundamentalmente porque estimularon apuestas con mayor riesgo creativo e intelectual que las que cuentan con la garantía de la comercialización regular –explica la entidad–. Esto ayudó a que se crearan nuevos nichos de mercado antes inexplorados, que se lanzaran nuevos autores argentinos, que se introdujeran en el país a través de compra de derechos y traducciones valiosas obras extranjeras, que los libros argentinos encontraran nuevos mercados en el mundo a través de los viajes de los editores a las ferias internacionales.”
Edgardo Russo, de la editorial El Cuenco de Plata, advierte que la eliminación de los subsidios es “sin duda grave” y por lo demás “discriminatoria” en cuanto al campo editorial, “ya que otras industrias culturales, como las dedicadas a medios audiovisuales y discográficas, aparentemente siguen obteniéndolos”. El plan de subsidios a las industrias culturales, que había sido formalmente aprobado por la Legislatura porteña en el año 2003 –recuerda Ru-sso a Página/12– fue manejado “con absoluta transparencia por las gestiones anteriores y permitió la realización de proyectos que sin contar con dicha ayuda hubiesen sido imposibles o cuanto menos arduos o dificultosos de emprender”. Russo aclara que “los subsidios nunca fueron entregados a dedo, sino que había que concursar y presentar proyectos detallados y fundados”. Constanza Brunet advierte que para una editorial pequeña como Marea, que publica un promedio de diez títulos al año, tener la posibilidad de una ayuda económica para sacar dos o tres títulos más al año representa un porcentaje muy grande de la producción. “En una editorial de estas dimensiones y con objetivos culturales, no hay acumulación de capital, por lo tanto, son difíciles también los proyectos que impliquen una inversión extra como viajes a ferias en el exterior, compra de derechos para traducción, pago de anticipo de derechos de autor, proyectos de asociación con otros editores pequeños. Todo eso financiaba las distintas líneas del subsidio –subraya Brunet–. Durante el 2008 nuestro objetivo era anotarnos en la línea de participación de ferias en el exterior y conseguir ayuda para viajar a la feria de Frankfurt, que es muy costosa. Nuestra idea era aprovechar la perspectiva de Frankfurt 2010 y estar presente dos años antes, que es el tiempo con el que los editores alemanes y de otros países compran derechos para traducción.”
Gracias a los subsidios que recibió El Cuenco de Plata, que ha ganado alternativamente, durante los cuatro años de la gestión anterior, los subsidios a la producción y a la traducción (el reglamento establecía que una editorial no podía presentarse dos años consecutivos en la misma categoría), la editorial pudo llevar adelante proyectos como El libertino erudito, una colección de clásicos raros de la filosofía, con traducciones cuidadosamente anotadas y prologadas por especialistas de textos filosóficos heterodoxos prácticamente inhallables en lengua española. Los siete títulos publicados han sido beneficiados por los subsidios. El primero fue Carta sobre los ciegos para uso de los que ven, de Diderot, traducido por Silvio Mattoni, y el último Los maravillosos secretos de la naturaleza, de Giulio Cesare Vanini, traducido por Fernando Bohr. “A causa de la interrupción de los subsidios, la colección se encuentra suspendida –admite Russo–, si bien estaban proyectados importantes títulos de David Hume, John Locke, Voltaire y Hobbes, entre otros.” La amargura aumenta cuando Russo enumera otros libros que publicó gracias a esos subsidios, como obras de la nueva narrativa argentina, El novio, de Enrique Butti, o Una puta mierda, de Patricio Pron, autor que posteriormente fue distinguido con el importante premio Jaen de Novela 2008, en España. “Hay una obra cuya traducción hubiese sido impensable sin los subsidios: Destinos personales. La era de la colonización de las conciencias, de Remo Bodei, para cuya contratación medió personalmente el autor con el sello Feltrinelli.”
A través de los subsidios que recibió Marea, la editorial publicó uno de sus caballitos de batalla, De Ernesto al Che, de Calica Ferrer, en inglés, con una tirada de 2000 ejemplares. Además de la venta en Argentina, fundamentalmente a turistas, los derechos del libro se vendieron a once países. “Del mismo título también publicamos una edición de bolsillo y abrimos una nueva colección, lo que abrió un nuevo mercado para Marea, el de los libros pocket más económicos –precisa Brunet–. Ambos proyectos, por lo costoso de la traducción al inglés y por lo arriesgado para una editorial chica de diversificar el mercado, no los hubiéramos hecho sin el apoyo de los subsidios. También obtuvimos ayuda para pagar anticipos de derechos de autor, que en el caso de Marea son importantes ya que la mayor parte de los libros implican un largo tiempo de investigación periodística.” Para muestra, basta un par de títulos: De vuelta a casa. Historias de hijos y nietos restituidos, de Analía Argento; Crónicas desde la frontera, de Cristina Civale y Daños colaterales. Papeleras, contaminación y resistencia en el río Uruguay, de Verónica Toller, que se publica en enero.
Ediciones de la Flor, Entropía, Ediciones del Dock, Corregidor, Bajo la Luna, Beatriz Viterbo, Mansalva, Editorial Biblos, Paradiso, Prometeo, Leviatán, Letranómada, Vox, Tantalia, Siesta, La Crujía y La Marca editora, entre otras que integran Edinar, plantean en la carta que la campaña eleccionaria de Macri se basó en la premisa de la transparencia de los gastos, las compras y el uso de los recursos estatales. “¿A qué se destinaron entonces los fondos que ya habían sido asignados en el presupuesto 2008 al FondoBA?”, se preguntan los editores. “Obviamente no recibimos la menor explicación al respecto”, responde Russo. Brunet agrega que durante todo el año los miembros de la Edinar tuvieron contactos informales con funcionarios de la Dirección General de Industrias Creativas, a cargo de Alejandra Ungaro. “Siempre nos aseguraron que los subsidios continuarían. En el mes de septiembre, cuando ya era evidente que los subsidios no llegaban, enviamos una carta formal a Ungaro y le pedimos una reunión. La reunión nunca nos la dio y nos respondió con otra carta. Allí, por una parte justifica la decisión de derivar fondos para otras áreas (habla de enfocarse en la venta y no en la producción).”
Sebastián Nojovich, coordinador del programa Opción Libros, dice a Página/12 que el subsidio no se eliminó sino que se reformuló. “Desde principio de año y con las restricciones presupuestarias que hubo, decidimos hacer una evaluación de los subsidios destinados en su mayoría a la producción de libros. El desafío para las editoriales independientes es ganar visibilidad y tener un valor claro frente a los lectores. A las editoriales les resulta difícil llegar a las librerías y en ese marco, resulta fundamental trabajar sobre la creación de valor de estos sellos”, señala Nojovich. ¿Y los 120 mil pesos que ya habían sido asignados en el presupuesto 2008 al FondoBA? “La plata que no se gasta del Presupuesto se pierde”, responde Nojovich, que aún no sabe cuál será el monto de los “nuevos” subsidios ni cuándo se implementarán.

Fuente. Página/12 - Miércoles 31 de diciembre de 2008

2008-11-15T02:52:00.000-08:00

103.430*

Un ejemplo de la irracionalidad racionalizada.

Espacio TBK. Barrio de La Paternal. Me sumerjo en un espacio teatral intimista. Adecuado –caeré en la cuenta después- a la puesta que veré. Un judío polaco. Así, sin medias tintas, directo. Sin cortapisas. Sin “políticas de corrección”. Es la historia de un hombre. De una persona. La dolorosa historia de Berek Frydman. Contada por él. Contada por la obra. Contada por el público en reacciones espasmódicas, de risas incómodas, de una cotidianeidad molesta. La cotidianeidad de la discriminación, del racismo, del antisemitismo. Total... “El mundo sigue. ¿No?”

No. El mundo no sigue. Se detuvo para siempre para aquellos que han sufrido la irracionalidad, el horror que ninguna obra de arte puede mostrar en su profundidad; tal vez ayudar a la memoria y a concientizar. Pero jamás mostrar en su absoluto.

Espacio íntimo con no más de 25 personas –incluyendo a los actores y equipo asistente-. Vamos a ver situaciones cotidianas. En un permanente intertexto, sobre sí y en interpelación permanente al público. La reflexión del hecho teatral en sí. “¿Esto es un teatro? Se pregunta un personaje que será el nexo permanente entre el público y la obra. Ese personaje que comienza riéndose mientras cuenta chistes racistas y antisemitas. Y se sienta allí, en la platea. Con nosotros/as. ¡Pues claro, si es uno más! Es uno más de nosotros, aunque no lo queramos admitir. Nosotros/as somos parte de esa sociedad. De esta especie que generó –y sigue generando- odios irracionales, matanzas, guerras, por doquier y sin cesar.

Una televisión que reproduce una grabación del verdadero Frydman contando por momentos su historia que a su vez es representada en el espacio. Desafío del que la obra –y los actores- salen airosos. La historia de ese muchacho de trece años cuando los nazis invaden Polonia. El raíd de horror que presenció. El ghetto, Lodz, Auschwitz, Matthausen, Gusen II, la muerte de su padre arrojándose al vacío. Todo relatado por Berek y por el personaje en un tono neutro, pausado. Delirantemente cotidiano. Como los brutales chistes racistas que “mechan” la puesta. El no menos delirante programa televisivo “Hombres de la Historia”, parodiado descarnadamente en una entrevista al hijo Claudio. Poseedor de los retazos de historia contados por su padre Berek. Testigo de sus pesadillas, de sus pesares, de sus dolores, de una parte del horror vivido. Exposición de la mezcla de show y realidad. Obscenidad descarada ante la pantalla negra que muestra el paso del tiempo. El correr de un reloj mientras el recuerdo de Berek no inunda el lugar. ¡Todo sigue igual! Las burlas de la época nazi enmascaradas en esos chistes salvajes. Rupturas en el tiempo con un mismo eje. Horror-violencia-Recuerdo. No es hoy, no es ayer. Es siempre. Es ahora. En ese hombre ignorante y bestial que se ríe sobre las cámaras de gas, sobre el dolor y sufrimiento de millones. Dolor de ayer, dolor de hoy. Dolor de mirar y no ver. “Ver, abarca la totalidad del objeto” recuerda didácticamente, uno de los personajes. Dramaturgia acertada la de Alejandro Mateo sustentada por tres actores sólidos. Sin fisuras. Dolorosamente cotidianos, en clave de barrio porteño. De Buenos Aires de televisión 2008.

La cotidianeidad del mal parafraseando a Hannah Arendt. La sinrazón de la razón. Y el dolor que no cesa. En la planta escénica, en las gradas, en ese televisor, en esas notas musicales de un Claudio heredero del dolor, en ese espectador que se movía incómodo a mi lado durante la puesta y en el recuerdo de Berek Frydman. Hombre. Víctima. Y sin dudas, no es el protagonista de tantos programas de televisión estupidizantes y falsarios del pasado, pretensos de serios y comprometidos. Por el contrario: fue un verdadero “Hombre de la Historia”.

Juan Lucas Tossard, para LRN

* 103.430 Es el número que recuerda Berek de su paso por el Campo de Concentración de Matthausen.

Con NICOLÁS MATEO, HÉCTOR SEGURA y WALTER ROSENZWITAsesoramiento historico literario : Claudio FrydmanDiseño lumínico : Cristina LahetEscenografía y vestuario: Alejandro MateoFotografía: Paloma AballoneAsistencia de dirección: Cinthia ChomskiAsistencia técnica: Pamela Vargas MillaPrensa: Caro AlfonsoDRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: ALEJANDRO MATEOSábados - 21.00 ESPACIO TBK Trelles 2033 - 1ro - 4586.2971 - Paternal(Entre Camarones y San Blas)Imprescindible hacer reservas por las características de la sala.La función comienza a horario

2008-11-05T15:00:00.000-08:00

“¡Viva el Teatro!”

¡ÚLTIMO MOMENTO! ¡ÚLTIMO MOMENTO!” “El Surrealismo no ha muerto, hay sobrevivientes en un teatro del Abasto. Ampliaremos”

Esa fue la exclamación que me surgió mientras pensaba la puesta física, interesante, ansiosa y dedicada de “Ubú. Un beso único” Extraña y deliciosa sensación de llegar a una fiesta que se inicia. Música Electrónica que recibe al/la espectador/a. Rollos de papel higiénico en las butacas; alcohol y cigarrillos y fiesta en la escena.

La metáfora de la lucha por el poder. Sea en Polonia, en Rusia o en algún remoto paraje del Planeta. La sinrazón del poder, lo absurdo. La irresistible ascensión de papá Ubú empujado por mamá Ubú, en los vericuetos, traiciones, deslealtades hacia el trono. La corona. ¿Acaso no hay una esencia surrealista en la búsqueda del poder?

La pantalla en escena que refleja los acontecimientos de una cámara indiscreta, obscena –conviene recordar que está emparentada con skené- mostrando todo. Evidenciando que no hay escapatoria a la mirada de l@s otr@s. Carnaval de la mirada. Citas a Man Ray, a Breton, al Surrealismo, poniendo el cuerpo en cada línea, en cada mirada. Invitación al público a la fiesta del Teatro. En el licor dionisíaco, que no era ajenjo, pero era alcohol, ( puedo dar fe de ello)

Suelta de profilácticos hacia al público. Invitación cruda a la pulsión dionisíaca del hecho teatral. El recuerdo de Artaud, de Buñuel, “guerra de papel higiénico” entre el público y las huestes de Ubú, la muerte, la petit mort de sexo y violencia. El orgasmo, la orgía del poder y siempre poniendo el cuerpo. ¡Y cómo!
¡Mierdra! Gracias por invitar(nos). Teatro crudo. Teatro absurdo. Teatro doloroso. Teatro que mancha. Teatro.

Rainer Garcya, para LRN

UBÚ Un Beso Único

Funciones: Sábados a las 20:00
Teatro: Puerta Roja
Lavalle 3636 (Abasto) – Ciudad de Buenos Aires –
Localidades $20 (Descuentos a estudiantes y jubilados)
Reservas al 4867-4689
Dramaturgia y Dirección: Guillermo Yanícola

Basada en Ubú Rey de Alfred Jarry y textos de Tristán Tzara, Antonin Artaud y de los actores, surgidos en los ensayos; y en fotografías de Man Ray.

Elenco:
Paola Belfiore, Olivia Diab, Daniela Silva, Gabriel Celaya, Alejandro Frenkel, Maximiliano Mena, Sebastián Villar.

Gráfica: Leandro Chiappa, Mario Gemín.
Asistentes de Dirección: Claudia Mosso, Cristina Ribas.

2008-10-29T06:35:00.000-07:00

Personajes de terapia
“Criminal” un obra muy recomendable en el Espacio Teatral “Delborde”.

Sobre una alfombra triangular se presentan cuatro personajes. A intervalos el tiempo se recorta y establece, generando una dinámica interesante sobre la cual acontece la trama narrativa.
“Criminal” es una historia bien contada, astuta y divertida. Dos psicólogos, un matrimonio, un amante, un homicidio.

Las actuaciones son muy buenas, sorprenden los giros en la historia, aún aquellos esperados.
El manejo del espacio, la sincronización de los actores, la musicalización e iluminación establecen un diagrama prolijo que hace de la sencillez un recurso prolífico.

Escrita por Javier Daulte y dirigida por Marcelo Velázquez, “Criminal” juega constantemente haciendo de lo imaginado el espacio de la presencia. Sin duda una obra para disfrutar y divertirse mucho.

Cintia Mariscal para “Los restos del naufragio”

Ficha técnica:

Una obra de Javier DaulteDirección: Marcelo VelázquezSábados 21:30Del Borde Espacio Teatral: Chile 630 – San Telmo - http://www.delborde.com.ar/Localidades: $25 ($15 descuento estudiantes y jubilados).Reservas: 4300-6201
Elenco: Uki Cappellari, Eduardo Narvay, Paola Cappellari, Luis DartiguelongueDiseño de escenografía: Fernando LeivaDiseño de iluminación: Pehuén StordeurVestuario: Natalia García BarrosMúsica original: Emiliano SpadacciniDiseño gráfico: Verónica DuhDifusión: Tehagolaprensa Asistente de dirección: Inés Echavarría

2008-10-29T06:25:00.000-07:00

Recordar lo que no fue

“Más que nunca” de Carolina Tisera, todos los viernes en Puerta Roja.

Un espacio sin nombre, un no lugar. Seis mujeres se detienen. La puerta que no abre es la espera que inaugura la historia.

Se sobreponen los discursos. El público no se agota de girar su mirada y encontrar en esos gestos, espacios múltiples, semi privados, casi compartidos.

“Mas que nunca” puede ser leida como la metáfora de las Willis. Seis novias abandonadas,un hombre en común, una cita. Jauregui es sólo eso-un nombre propio- y al mismo tiempo el hilo que las une, el silencio que se derrama sobre sus truncados destinos.

Ya no existe un afuera, quizá ellas mismas ya no existan. El espacio deja de serlo, la espera ya no tiene remitente, destinatario tampoco.

Algo ha cambiado. Quizá sea el vacío que genera atreverse a soltar, quizá sea el discurso desprovisto de formalidades-el discurso genuino- quizá una especie de verdad.

La espera obliga, el silencio impele. El amor deviene un recuerdo demasiado simple para ser recordado.

Sobre textos de Manuel Puig, Marossa di Giorgio, Adelia Prado, Dorothy Parker, Roberto Arlt y Carolina Tisera, “Mas qe nunca” cuenta una historia sobre la no historia. Dice el no ser que podría haber sido. Detiene y hace detener, hasta que todo decida comenzar de nuevo.

Cintia Mariscal para “Los restos del Naufragio”

Ficha técnica:
Puerta Roja: Lavalle 3636. TEL: 4867-4689
Viernes 22:30
Lucia Stella / Maribel Outeda / Veronica Seara / Corina Bitshman / Marcela Perez / Malena GuinzburgIluminación y fotografía: Sergio Costessich / Realización escenográfica: Jorge CostessichVestuario: Carolina Tisera / Peinados y maquillaje: Peluquerías WalookDiseño gráfico: Diana Rutkus / Dirección coreográfica: Luciana SpadaforaAsistencia de dirección: Sergio Costessich

2008-10-02T16:48:00.000-07:00

Los Restos del Naufragio rumbo al fin

Una producción especial que es todo un presagio de lo que adviene.

2008-09-21T06:41:00.000-07:00

Manuale D’amore, un film de Giovanni Veronesi.

Esta vez, la cadena no se rompió

Una película provista de todos los elementos para que el espectador vuelva tranquilo a casa, sin antes haberse entretenido y, quizás, reflexionado tan solo un poco.

El director Giovanni Veronesi se ha propuesto golpear al corazón del espectador medio con los frecuentes mecanismos del film romántico, combinándolos con los mejores recursos de la comedia italiana de antaño. De esta forma, el relato se estructura en cuatro macrosecuencias que organizan la historia muy ordenada, y en forma progresiva.

Ocho personajes en parejas heterosexuales - ¿El amor sólo es en el limitado mundo hetero? – ejecutarán un recorrido por los sabores de la pasión, no sin transitar los entreverados caminos de la desazón, la pérdida, la defraudación y la angustia. Al final, todo regresará a un estadio armónico donde cada uno de los personajes avizorará un futuro dichoso.

Cuatro capítulos interrelacionados dentro de la diégesis mediante la presencia de los personajes, constituyen el entramado simplificado en la circularidad: del amor al amor. El enamoramiento, la crisis, la traición y el abandono.

Tommaso, un joven desempleado en Roma, logra obtener el beneplácito de Gulia, enamorándose ambos profundamente, a tal punto que constituirán el contrato primigenio de aquella sociedad a la que el film insta – tuvo gran repercusión en Italia, con una platea de 3 millones de espectadores -: el matrimonio – hacia el final nos enteramos que adviene un hijo. En el preciso sitio al que han elegido para desarrollar su viaje de bodas, una pareja expira los últimos átomos de oxígeno de su relación, desbordando el tedio áspero que tiñe su existencia. Así Bárbara y Marco conforman la historia más relevante de la narración, sobre todo por la implacable conciencia del hombre frente a la crisis y sus posibles soluciones – la capacidad actoral y la interpretación de Sergio Rubini son excepcionales- . Luego de una salida entre amigas con borrachera incluida, Bárbara se “reencuentra” con su marido en la plaza, antes éste logrará evitar una multa convenciendo a una agente de tránsito – Ornella - , a través de la empatía y la apelación a la subjetividad de ella.

Exactamente, en este juego monótono de progresión narrativa determinada hasta el hartazgo, Ornella será testigo de una escena de infidelidad por parte de su marido y, como consecuencia de sus pesares, se convertirá en una tirana, empleando todo su poder en la calle para multar a cuanto hombre se le cruce en el camino. En uno de sus avasallamientos masculinos, se topa con un médico infractor muy irritado tras el abandono que está experimentando por parte de su esposa. A tal punto que dedica extensas sesiones de lectura y ejercicios hallados en un libro de auto ayuda comprado en la librería donde ha conseguido trabajo Tommaso. Este no será el único encuentro entre los protagonistas de la primera y última secuencia, pues el médico terminará entablando una estrecha relación con la hermana del muchacho, abriéndose al desafío de una nueva posibilidad frente al amor.

Como puede observarse, el relato lleva de las narices a los espectadores, proponiendo un ejercicio aristotélico en el cual las líneas narrativas confluyen a la perfección.

Por lo demás, una delicada dirección de fotografía junto con el trabajo de un elenco experimentado, y algunos guiños al espectador - como la ruptura del artificio cinematográfico mediante el diálogo a cámara de los actores, al estilo de los antiguos capo-cómicos -, integran los aspectos más relevantes de la película. Sin dudas, el espectador que busque un momento de distracción frente a una historia fluida dentro del espacio del sueño, hallará en “Manuale d’more” una propuesta digna de tener en cuenta.

Conrado Beretta, para Los Restos del Naufragio

FICHA TÉCNICA
Manuale D´amore
116 min, ITALIA
Dirección … GIOVANNI VERONESI
Guión ... GIOVANNI VERONESI Y UGO CHITI
Diseño de producción ... LUCA GOBBI
Producción ejecutiva...MAURIZIO AMATI
Director de fotografía ... TANI CANEVARI
Edición ... CLAUDIO DI MAURO
Música ...PAOLO BUONVINO
Escenografia … CLAUDIA COSENZA
Estreno en Argentina: Jueves 25 de septiembre

ELENCO
CARLO VERDONE
SILVIO MUCCINO
LUCIANA LITTIZZETTO
SERGIO RUBINI
MARGHERITA BUY
JASMINE TRINCA

2008-09-20T14:30:00.000-07:00

“Teatro para pájaros”, en la flamante sala Fuga Cabrera.
Teatro para el Rock
Luego de su estreno en el 2007, Daniel Veronese repone la obra en su nueva sala.

Life is but life, and death but death!
Bliss is but bliss, and breath but breath!
And if, indeed, I fail,
At least to know the worst is sweet.
Defeat means nothing but defeat,
No drearier can prevail!

Emily Dickinson

Uno de los mayores exponentes de la denominada “nueva dramaturgia argentina”, Daniel Veronese, ha sido profundamente estudiado y analizado, reconocido por su creatividad y calidad como artista, titiritero, dramaturgo, un verdadero “animal de teatro”. Prolífico, creativo, multipremiado, es reconocido no sólo por el campo de los teatristas, también por el ámbito académico que lo requiere de modo permanente para sus análisis y trabajos universitarios. Sin dudas, su obra constituye – junto con Rafael Spregelburd , Mariano Pensotti, Alejandro Tantanian y Javier Daulte, entre otros– un material invalorable para todo aquel que intente comprender que ha acaecido en los últimos años dentro de la producción dramática nacional.

Con varias obras en cartel, un proyecto cultural propio y genuino, la búsqueda de trabajo con nuevos lenguajes como el cine , y la relevancia de su labor en España; se ha puesto en la picota de la producción periodística y mediática en lo que a temas de espectáculos respecta. En este caso, nos abocamos a enfrentar la lectura de una de sus últimas manufacturas: “Teatro para pájaros”.

La obra se ha reestrenado este año, luego de su lanzamiento en el Teatro del Pueblo – marzo 2007- , esta vez, en Fuga Cabrera, la sala inaugurada recientemente en su propia morada.
Como sucede en cada ocasión donde un autor de su talla sube a escena un trabajo, múltiples medios de comunicación editan y producen material - ¿crítico?- sobre la obra en cuestión. Si se realiza un recorrido pormenorizado sobre los distintos metatextos producidos en torno a “Teatro para pájaros”, se encuentra una constante de lectura presente en la totalidad de las plumas que han espetado la tinta sobre el papel: la característica de obra organizada en base a un juego de “cajas chinas” , el trabajo autorreferencial signado por las parejas de integrantes del campo teatral que se la pasan hablando y dando cuenta de las problemáticas endógenas de aquello que se alude y puede entenderse como “el teatro argentino”, “teatro dentro del teatro”.

Frente a este cúmulo de entramados textuales redundantes, surge una serie de interrogantes prolíficos que podrían permitir la posibilidad de enunciar algo más, sino no tiene sentido continuar repitiendo lo mismo a través de los textos. En principio, como lectores y amantes del teatro, ¿Estamos compelidos a remachar sobre lo mismo? ¿Debemos intentar aportar a cierto estadio de búsqueda y apertura del texto más allá de lo que los propios productores piensan acerca de su trabajo? ¿En esta época estampada por el hipertexto, no es necesario ejecutar algún tipo de estrategia discursiva que abogue por la distinción y la calidad de la información sobre los espectáculos que intentamos atrapar? Los entresijos son surtidos y el debate continúa siendo el de siempre: ¿Cuál es el lugar de la crítica de espectáculos en nuestra contemporaneidad?

Si bien este no es el espacio para debatir acerca de las numerosas cuestiones sobre la crítica periodística y académica, es necesario plantearlas permanentemente para tener en cuenta que no escapa a la crisis massmediática imperante en los medios de comunicación, por una parte, y en las decisiones de qué y quienes logran publicar, de acuerdo a los multilaterales factores de poder intervinientes – de ello, la producción académica y sus agentes, bien lo saben -, por la otra.

Lo cierto es que poco se ha hablado en el caso de “Teatro para pájaros”, acerca de la miscelánea materia surtida que constituye, producto de un fructuoso edificio ensamblado a partir de piezas seleccionadas con eminente precisión.

Desde el inicio del rito, observamos que el espectáculo intimará la enciclopedia y el reconocimiento atento del espectador avezado, interesado en asir la batería de elementos que se proponen. El público ingresa a la sala lentamente, toma asiento en las añejas butacas impregnadas de aplausos, mientras se oye a los actores conversando en un entrepiso, como si fueran músicos prestos a salir a escena. Charlan, se ríen, debaten, sesgan con sus voces el sonido estereofónico que suena con energía: los diálogos de “The Raven”, la obra que Lou Reed produjo sobre textos de Edgard Alan Poe.

Sin darse cuenta, los asistentes al espectáculo ya han sellado el contrato, presencian desde el inicio los mecanismos de un cúmulo de partes y fragmentos que se adhieren para contar una historia. El relato versa sobre el teatro y los actores están en escena, mostrándose tal cual son – excelente elenco que evidencia el arduo trabajo subyacente y la “química” que los une- , allí arriba, viviendo la intensidad de “la previa”.

La elección de la música no es inocente, ya que el juego intertextual será el tutor a seguir durante toda la función. En un devenir paradigmático, brota Lou Reed, que tomó los textos de Poe, elaborando un intenso desarrollo musical consumado en POEtry, dirigida por Robert Wilson en el 2000.

Las relaciones entre rock y teatro constituyen un resquicio de entrada feraz para llegar a la representación. De hecho, Veronese posee, como dramaturgo y director, una rítmica especial en la creación de belleza, no solo en Open House – donde Lou Reed es fundamental -, también en otras obras de su factura, como Variaciones sobre B, Cámara Gesell, Circonegro, Señoritas porteñas, Luisa, Luz de mañana en un traje marrón- precisamente, Rubén Szuchmacher incluyó las últimas tres en un espectáculo al que denominó: Música rota-, etc.

También, la música pivotea durante toda la obra, así suenan temas de Leonard Cohen e Iggy Pop, se menciona a Moby en los parlamentos. Podríamos afirmar que existe un trasfondo rocker en la dramaturgia de Veronese, más aún, en toda su existencia artística: esa energía ciclópea que lo lanza a producir constantemente; las marcas que orientan la mirada hacia un gusto por la música; la forma de trabajo con múltiples elencos a la manera de un sesionista experimentado; su concepción de poner en escena una máquina poética que podríamos asimilar a la ligazón del rock y la fuerza característica de la máquina – tengamos en cuenta , además , la similitud por proximidad semántica de algunos nombres como La Máquina de hacer pájaros , La Aplanadora del Rock, etc. -; incluso, la instancia precedente de los actores se asemeja a la espera intensa por salir al escenario que todo músico transita en cada recital. Ellos esperan allí la salida frente al público, prestos para comenzar la función con la misma celeridad con que un violero toma su instrumento y transforma el entorno, irrumpiendo sobre el silencio con la masa de sonidos.

Un campo de tensiones textuales se desata en la escena, el relato permite no solo postular la evidente autorreferencialidad; lo interesante es construir la lectura a partir de las tensiones inter – sistemas estéticos, ubicando la mirada en el universo simbólico-cultural, para encontrarnos con la dimensión filosófica del intertexto: la inexistencia de un origen, la concomitante posibilidad de re-comenzar permanentemente, abriendo posibilidades paralelas a las “verdades hermenéuticas” que postulan la exégesis única del Texto.

Así, los poemas de – y el sujeto – Emily Dickinson resuenan en el profundo discurso que emite Gloria (Laura López Moyano), captando cierto vigor en el carácter punzante de sus dichos acerca de los que detentan el poder dentro del teatro, profiriendo las palabras sobre Antonio, el productor que se mofa de los actores mientras juega a ser una star del cine italiano, Tony Musante.
Por detrás de la arquitectura de la acción se proyecta como un espectro reluciente, una de las mejores obras de Etore Scola, C'eravamo tanto amati. Gloria, como Luciana en el film, intenta vivir de su profesión como actriz, motivo que la perturba constantemente y le provoca un repudio recóndito hacia los “dueños del teatro”, los productores y los espectadores alienados que determinan “lo que hay que ver”. Además, retumba la entrañable relación de amistad y pasión que vive entre los personajes.

Por sobre todas las cosas, “Teatro para pájaros”, apela a la bienquista libertad que el sujeto sólo puede hallar en la experiencia estética y erótica. De acuerdo a como Ricardo le asevera a Teresa – unos excelentes Lautaro Delgado y Marina Bellati -, hacia el final del espectáculo, ¿Los espectadores podrán decir: “ya sé de qué hablaba la obra”?

Conrado Beretta, para LRN.

Audio de nuestra emsión - Viernes 19/9/08

Ficha técnica:

Obra: Teatro para pájaros. Autor: Daniel Veronese. Elenco: Malena Figó, Diego Gentile, Marina Bellati, Lautaro Delgado, Laura López Moyano y Leonardo Saggese. Dirección: Daniel Veronese

Sala: FugaCabrera, Cabrera 4871 "C". Reservas 4833-2043 - fugacabrera@gmail.com

Prensa: Carolina Alfonso. Iluminación: Gonzalo Córdova. Diseño de escenografía: Daniel Veronese. Operación Técnica: Martín Acuevide. Producción ejecutiva: Sebastián Blutrach. Asistencia de dirección: Tatiana Sandoval

2008-09-20T14:25:00.000-07:00

“La re-vuelta de los padres” para ver o debatir en familia.

Conflictos puertas adentro
La puesta de Guillermo Ghio nos relata, desde la lógica de la comedia, una problemática familiar actual.

Todos somos hijos, pero no todos somos padres. Cada ser humano es producto de una mujer y un hombre. Nadie puede desprenderse de esa condición primordial. Es nuestro propio nacimiento el que nos enmarca en esa característica. Aunque, siempre es imprescindible la existencia de los padres creadores para conformar así esa relación simbiótica e irremplazable entre ambos.

La familia tipo de "La Re-vuelta de los Padres" despliega una realidad muy habitual entre padres e hijos adolescentes en la actualidad. En pocas palabras, el problema básico en su convivencia es la incomprensión de las necesidades de la otra persona y el hecho de no poder “ponerse en la piel del otro”. Sin embargo, esta tragicomedia plantea la ingeniosa posibilidad de invertir los roles para que se genere un mejor entendimiento entre ambas partes. Esto implica que por un fin de semana, los padres deberán ser los hijos y viceversa. Es muy interesante el entretejido lingüístico que provoca este juego macabro dado que emergen preguntas como ¿se puede renunciar a ser padre? ¿por qué tenemos que entenderlos a ustedes? ¿qué hacemos ahora que somos padres? y ¿por qué nos tuvieron?, las cuáles movilizan al espectador. Esta sensación de identificación con la problemática es reforzada por le elección de Guillermo Ghio de romper por un momento la cuarta pared con la acción de entregar los manifiestos que explican los motivos de la inversión de roles.

El trabajo actoral de los cuatro intérpretes logra diferenciar claramente las dos energías necesarias para la oposición de los personajes. Es destacable Juan Carrasco, particularmente cuando se han invertido los roles y debe actuar de hijo, debido a la espontaneidad que le imprime a su manera de decir y hacer propio cada texto. La interpretación de Loren Acuña es adecuada e interesante en su expresión corporal, sin embargo su acento centroamericano dentro de una familia porteña resulta un elemento que queda injustificado dentro de la diégesis de la obra. Tanto María Eugenia Álvarez y Santiago Saracca logran transmitir con sus acciones y su corporalidad los sentimientos de sus personajes adolescentes.

La obra devela las dificultades de comprensión que existen entre las distintas generaciones dentro del seno familiar básico. Nos permite observar la intimidad de cuatro personas en su convivencia diaria. Todo se consuma, cuando la resposabilidad es representada simbólicamente a través de una pelota que va pasando de manos.

Roberta De Biase, especial para Los Restos del Naufragio.

Ficha técnica
Autoría: Ana JusidDirección: Guillermo GhioActuan: Loren Acuña, Maria Eugenia Alvarez, Juan Carrasco, Santiago SaraccaVestuario: Peonía VelozBanda de sonido: Miguel RurArte: Guillermo GhioAsistencia general: Norberto Portal
Lugar: Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 370
Teléfonos: 5-354-6618
Viernes y Sábados 21:00hs

2008-09-19T14:04:00.001-07:00

Desafío Improvisado
Ricardo Behrens, Hacho Badaracco y Agustín Maggi, integrantes de la Selección Argentina de Impro profesional, presentan un espectáculo divertido e inesperado.
Una buena opción para una noche improvisada.

Improvisados desafíos ponen en escena el virtuosismo y la destreza de tres actores, que velozmente exploran y construyen.

El público rompe la cuarta pared para dictar la dinámica del espectáculo, proponiendo constantemente temas, escenarios, géneros y estilos.
Sorprende la versatilidad de estos actores, el crujir constante de la rutina destruida, el inicio de la acción siempre nueva, llena de resoluciones inesperadas.
Desafíos impro es una obra sin obra. Una suerte de estructura, una consigna. Pone de manifiesto el trabajo minucioso del actor, quien se muestra primero en tanto individuo para luego devenir “personaje”.

En el marco de un acompañamiento musical que continúa con la lógica de “construcción espontánea”, estos desafíos le ponen ritmo y diversión a un público invitado constantemente a la participación.
Ricardo Behrens, Hacho Badaracco, Agustín Maggi y Mauri Erman, a cargo de la música en vivo, son los responsables de ésta obra difícil de escribir, por su enorme movilidad y cambio. Dichos actores, integrantes de la Selección Argentina de Improvisación - http://lpimatch.com/ - viajarán próximamente al mundial de Brasil, donde representarán a la Argentina.
Desafíos Impro es sin duda una obra divertida, multiforme y siempre nueva, una buena invitación para ser juez y parte de una noche asombrosa y divertida.

Ficha técnica:
Actores: Ricardo Behrens, Hacho Badaracco, Agustín Maggi
Música: Mauri Erman
Idea y Dirección general: Ricardo Behrens
Teatro Liberarte: Corrientes 1555
Funciones: Viernes 23:30
Reservas: 4372-9224

Cintia Mariscal

2008-09-19T14:04:00.000-07:00

"Sabor a Freud", con dramaturgia de José Pablo Feinmann

EL BOLERO DE PASCAL

"Un certain Blaise Pascal etc... etc..."
Jacques Prévert (Fatras)

La Modernidad. El fin de los grandes relatos. ¿Estamos ante el fin del Psicoanálisis?

En clave de comedia crítica hacia el discurso freudiano el texto de Feinmann nos entrega una obra ingeniosa, ambivalente.
Puesta en crisis de un relato –como sugiere en un momento el psicoanalista Kovacs- que en Buenos Aires, tal vez la capital del Psicoanálisis en América, tiene furibundos/as detractores/as y apologistas.

Aunque con el devenir del texto, en clave de comedia, se percibe que subyace un debate conceptual que no es ajeno a la problemática del Pensamiento contemporáneo. Así como la vieja querella en el nacimiento de la Estética, el debate entre Modernidad y Posmodernidad se cuela en el texto.

Principia la obra ampliando el espacio teatral, con un monólogo que intenta justificar la existencia del Psicoanálisis, supuestamente ejerciendo una autocrítica, pero como en todo el desarrollo de la obra, hay un "ida y vuelta" entre la censura y la mirada ambivalente sobre el discurso freudiano. O psicoanalítico si se prefiere.

Un analista y su analizante en una sesión que se extiende durante una tarde y cómo se muestra en ella la relación especular llevada por la parodia a una mutua conversión o permiso para cada un@ en su "verdadero yo". Así discurren los temas recurrentes –y pendientes- de la existencia, "el Edipo", "el matrimonio", los deseos ocultos, "el Ser o no Ser" son desarrollados con la impronta del discurso del filósofo y escritor argentino.

Original puesta en intertexto permanente con el discurso cinematográfico, los credits son presentados como en un texto fílmico. Una iluminación a guisa de pantalla que permite leer textos escritos en escena, con paneles blancos, que sirven de pantalla fílmica para la representación dentro de la representación de un Rick Blaine de Casablanca que canta bolero con una Dolores Durán, pretensa Ilse Lund (Ingrid Bergman). Citas a Spellbound (1945) (Cuéntame tu vida) (A.Hitchcock) tal vez una de las primeras películas que abordó la temática psicológica como algo central para un relato cinematográfico; Psycho (1960) del mismo genio del cine que continuó con la temática, pero con una vuelta de tuerca más; hasta se cita a The Exorcist (1973) (El Exorcista) de William Friedkin; textos sonoros de soundtracks, dobles encuadres, íconos del cine clásico traídos a cuento como Marilyn, las rubias platinadas y el bolero con las canciones de Javier Vargas y Tito Rodríguez.

La pulsión encarnada en este género musical, "en el bolero no hay lugar para grises" Eros y Tánatos y la lectura textual de "El malestar en la cultura" de Freud, son el bagaje que sustenta lo que podría denominarse "obra representativa de una tesis". Arriesgándome, la tesis de la permanencia o persistencia de la Modernidad ante el avance posmoderno globalizante.
Ampliación audaz por momentos de la planta escénica ante una platea que espera la situación de comedia entre un psicoanalista edípico y una mujer aburrida y sometida que crea una cantante "mujer fatal" (otra marca del cine clásico al que es afecto el autor) para soportar su aburrida, cómoda -capitalista- existencia.

La dialéctica del bolero que plantea sólo extremos, -como su opuesto la música "techno" (posmoderna) en la que "se baila lejos, seguro"-; dos personajes, dos historias ocultas -el deseo de ambos de ser cantantes, "un otro/a"- esos grandes temas (esos "relatos") son clausurados por la aparición de la muerte. La muerte como libertad, como la única ruptura.

Todo Feinmann, pura reflexión. Es mucho. Una sonrisa amarga. Credits. Con un sinestésico final de Casablanca musicalizado con un bolero: "Cobarde corazón" Ambivalencia receptiva que dependerá de si el/la espectador/a tiene práctica analítica previa. The End.

Inge Voss. Para LRN

SABADOS 23:00
BOEDO XXI (Boedo 853)
Reservas 4957-1400
Entradas $20
Estudiantes y jubilados $15

Dr. Ernesto Kovacs…………..Julio Luparello
Lucía Espinosa…………. Susana N. Fernández

Puesta y dirección: Jorge Vigetti
Autor: José Pablo Feinmann
Música Original: Martín Bianchedi
Dirección de arte, escenografía y vestuario: Soledad González
Diseño de luces y operación técnica: José Luis Misevich
Edición de imágenes: Magdalena Mastromarino
Fotografía y gráfica: Soledad González

www.saborafreud.blogspot.com

2008-09-14T16:11:00.000-07:00

Ahora podés escucharnos también por : http://www.unaradio.com.ar

Los Restos del Naufragio expande su oferta de contenidos sonoros en la Web.

Además de salir "en vivo" por Radio Z Digital - todos los viernes de 22:00 a 24:00 - , ahora , se suma a la programación de Unaradio, dejando el programa posteado para que lo disfrutes las veces que quieras y en el momento que consideres necesario volver a escucharlo.
No olvides que el programa sigue también, como siempre, disponible durante toda la semana en http://www.argentinaradioz.com.ar/, además de permitirnos ejecutar la salida en vivo al mundo.
Los Restos del NAufragio agradece a las emisoras de radio digital que confían en el proyecto.

2008-09-10T17:55:00.000-07:00

"Los extraños", un film de Bryan Bertino.

"Why?" (¿Por qué?)

La bella Liv Tayler en un film inefable.

Es la pregunta que podríase tomar como eje de The Strangers. El por qué de ciertos acontecimientos, fenómenos, conductas humanas, el devenir de la existencia en general.
La pregunta que no tiene respuesta –no la habrá ni la hay- durante la existencia, por supuesto el film de Bryan Bertino, brindará una tácita mirada reflexiva.

Basada, según nos indica –profundizando la angustia existencial de el "¿por qué?" de tantas cosas que ocurren en este mundo- en hechos reales y todavía con desconocimiento en cómo ocurrieron tales hechos y filmada de manera clásica, con todos los clichés del género de suspense/terror –habría que pensarse dentro de una teoría de los géneros los límites de cada uno- durante una noche fría, luego de una fiesta de casamiento a la que fueran invitados James y Kristen, y después de finalizada, James (Scott Speedman), tal vez estimulado por el casamiento se lo ofrece a su vez a Kristen (Liv Tyler); The Strangers es una clásica propuesta, pero con "toques" de cine de autor –momentos de cámara en mano, la profundización del uso de otros lenguajes como la iluminación, un sonido adecuado, puesto en el momento exacto-.
Transcurre la acción en una casa veraniega con acciones que comienzan a las cuatro de la mañana con una extraña que golpea a la puerta y pregunta por Tamara es el comienzo de una serie de pequeños sonidos inquietantes, lentos "ataques" en la tranquilidad de la noche fría en una casa veraniega. Inexorables golpes a la puerta, sonidos de ventanas, vidrios, van agobiando a Kristen primero, luego a ambos. Hasta quedar sitiados por tres personajes enmascarados a los que nunca se les verá el rostro. Tal vez porque el Destino, el sino trágico de la Existencia o la Muerte no la tengan hasta que se la enfrenta.

Clásico desarrollo, pero consigue tensionar al/la espectador/a y sobresaltarle. Es un buen y clásico entretenimiento, con “perlitas” originales dentro de un modo de representación clásico. Interesante ejercicio de un primerizo director sobre un interrogante que… (A vos, a Usted, te/le resta develarlo.)

Pedro Pablo Moretti , para LRN.

FICHA TÉCNICA
The Strangers, 2008
85 min, USA
Dirección …BRYAN BERTINO
Guión ... BRYAN BERTINO
Producción ... DOUG DAVISON, NATHAN KAHANE
Producción Ejecutiva ... JOSEPH DRAKE, MARC D. EVANS
Director de fotografía ...PETER SOVA
Edición ... KEVIN GREUTERT
Música ...TOMANDANDY
Director de arte …LYNWOOD TAYLOR

ELENCO
LIV TYLER
SCOTT SPEEDMAN
GEMMA WARD
KIP WEEKS
LAURA MARGOLIS
GLENN HOWERTON

2008-09-06T17:24:00.000-07:00

Danza sin edad
“Te bailo la justa” , el nuevo espectáculo del Ballet 40/90. Todos los viernes en el Teatro Empire.

Cuarenta personas en escena, de entre cuarenta y noventa años. Un ballet heterodoxo, en el marco de un espectáculo que rompe la lógica de todo espectáculo.

Se trata de bailar. No subsumidos en el criterio normalizador del mercado, sino por el placer de hacerlo, demostrando con alegría y cierta irreverencia que no hay limites donde hay voluntad.
Elsa Agras, la coreógrafa y directora del Ballet 40/90, sorprende con un saludo austero y conmovedor. Con sus ochenta y tres años lleva adelante un proyecto inmensamente laborioso.

Las coreografías, son sencillas más originales y variadas. Todo el espectáculo se enmarca en una excelente utilización del espacio y de las posibilidades físicas de sus bailarines.

Heterogeneidad de géneros y estilos, el espectáculo propone recorrer diversas danzas, en una sucesión de escenas muy bien musicalizadas e iluminadas. Invita a bailar en la butaca, a participar con palmas y ¿porque no?, a ser parte de la danza, ni bien alguno de los bailarines te tome de la mano con un paso entre piernas.

“Te bailo la justa” es sin duda un desafío, no tan solo para los bailarines que cada viernes se presentan ante un público que no está educado para verlos, sino también para todo aquel que haya abandonado las posibilidades creativas de su cuerpo, para quien lo haya silenciado.
Con profesionalidad y mucho trabajo “Te bailo la justa” es una excelente oportunidad para sorprenderse y animarse a bailar.

Cintia Mariscal , para Los Restos del Naufragio

Ficha técnica:

Bailarinas y Bailarines:Águeda Escalada, Alicia Clara Pereyra, Alicia López Bentos, Alicia Nosdeo, Ana Maria Alonso, Andrés Magre, Betty Zampini, Blanca Saponaro, Cecilia Scardamaglia, Cristina Córdoba, Cristina Gemma, Elsa Barleta, Eva Banker, Flora Fromer, Floris Choihed, Graciela Jacquemoud, Graciela Maldonado, Hilda Maldonado, Irma E.Mansilla, Julia Kropivka, Laura Adriana Bruno, Maricarmen Pontillo, Marina M.Mazzaglia, Mario Goluboff, Marta D’Alesandro, Matilde Cuenca, Mimi Rossi, Mirta E.Rosenberg, Mónica Bennett, Nene Pereyra, Nilda Perazzo, Nora Pasavanti, Patricia Seri, Perla Ledesma, Sadi Vergona, Teodora Kacoliris, Zulema MartearenaAsesora de Vestuario: Elsa BarletaSonido: Andrés BonelliIluminación: Marcos Guzman/Carlos UrrutiaAsistentes de Danza: Nora Pasavanti, Mimi Rossi, Marta D´AlesandroAsistente de Dirección: Adriana L. Bruno, Cecilia ScardamagliaCoreografía y Dirección: Elsa Agras

Funciones: viernes, a las 21hs
Teatro Empire: Hipólito Irigoyen 1934
Informes y Reservas: 4953-8254

2008-09-06T13:45:00.000-07:00

Una obra producida en el marco del proyecto pedagógico del IUNA
“El milagro de la fe”
"El perpetuo socorro", con dirección de Sergio Boris.

“Ya no creo en nada, ya no creo en ti, ya no creo en nadie, porque nadie cree en mí”
V8 Destrucción

No descubriré algo nuevo al decir que existe un debate que sigue sin cerrarse como el que motiva la existencia del discurso religioso; en este campo conceptual, Sergio Boris y l@s alumn@s del Instituto Universitario Nacional de Arte nos sorprenden con una obra reactulizando el debate en éste, su proyecto de graduación para la Licenciatura en Artes Dramáticas.

Once personajes en escena. Diez alumnas, heridas, golpeadas por la lucha religiosa. “El milagro de la fe” se sostiene en algún momento del texto. La lucha cuasi futbolera con “las Adoratrices”. Un lenguaje de violencia enmascarada en el fanatismo religioso, mientras en un alto en la lucha, la líder decide planear la “contraofensiva” en la casa de un ex profesor (Hugo) con quien mantiene una relación amorosa. Caricaturizado como unos bigotes de los años veinte. Dolor esparcido en ese grupo de alumnas que solamente pueden justificar su existencia, en la virulencia de su relación con las otras. Relación erótica encubierta de todas hacia él y de él hacia ellas durante un rito como el de la cena que ocupa toda la temporalidad. ¿El mito de la Última Cena?
Violencia verbal, lenguaje blindado. Armas, golpes, explícitos y tácitos.
Crítica de la religión católica romana, sensata, sin panfletos. Quirúrgica y devastadora. Sin golpes bajos en un anochecer “velando las armas” por jóvenes mujeres que no han crecido y siguen en una lucha irracional. Opiácea.

Elogiable proyecto, ambicioso y resuelve el desafío de un elenco extenso como poner once personajes en escena con escasos recursos técnicos, una planta despojada y un texto preciso. Tranquilizador también, porque hay dramaturgia joven y el teatro argentino sigue nutriéndose con nueva savia y respetando su historia de espíritu crítico que no es poco.

Juan Lucas Tossard para LRN

Audio de la emisión del 29/8

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Sergio Boris Actuan: Melisa Aimar, Lorena Azconovieta, Ludmila Baigorria, Federico Barroso Lelouche, Eugenia Carraro, Carolina Domínguez Yates, Mariela Finkelstein, Gisela Meligeni, Fiorella Pedrazzini, Sol Rodríguez Seoane, María Zubiri Vestuario: Gabriela A. Fernández Escenografía: Gabriela A. Fernández Iluminación: Florencia Bengolea Música: Carmen Baliero Fotografía: Michel Marcu Colaboración autoral: Adrián Silver Director asistente: Adrián Silver Dirección: Sergio Boris
Web: http://www.elperpetuosocorro.blogspot.com

PUERTA ROJA Lavalle 3636 Capital Federal - Buenos Aires - ArgentinaTeléfonos: 4867-4689

2008-08-31T16:52:00.000-07:00

"Señorita Julia", en el Teatro Belisario.

Todos unidos con Strindberg
Una más que interesante re-visión del gran dramaturgo sueco.

Argentina luego del golpe de 1955. Argentina HOY luego de los avatares de “El campo” versus “El Populismo (justamente el primer Peronismo, haciendo un reduccionismo fácil, pero apropiado para esta reseña)”.
Acierto en la elección de esta versión libre de “La Señorita Julia” de Claudio Ferrari para reactualizar una potente obra y una siempre vigente lucha.

La lucha entre “Señores” y sirvientes. Empleados. “Obreros” como le hace decir a Julia en uno de sus tantos comentarios despectivos, lúbricamente despectivos. La lucha de clases en definitiva, aunque Marx siga asustando a lectores de diarios preconciliares y decimonónicos u otros dirigidos por un otrora periodista que puteó a Massera y hoy parece discípulo del bien fallecido Neustadt.

“Señorita Julia” condensa y me permito decir que amplía el sentido originario de la obra. La universalidad entre otros caracteres hace de un hecho estético uno artístico. La obra original por sí sola lo es. Pero es Strindberg y el dramaturgo sueco, paradojal, contradictorio. Extremista y ácido navega a dos aguas, entre el odio corrosivo de las clases bajas y el desprecio mutuo entre ambas. La dialéctica sirviente (obrero en Argentina pos-golpe de 1955) y clases dominantes (oligarquía según reducción ad hoc) escenificada en la cocina de lo que podría ser la de una estancia de “el campo” que supimos conseguir.

En esa noche larga, la más larga, donde supuestamente (hipócrita y gatopardísticamente) las diferencias se borran, ocurre todo lo contrario. Aparecen crueles y descarnadas, arropadas en disfraces. Juan sometiendo por única vez y para siempre a Julia, poéticamente vengando a su clase en su imaginario, pero la muerte y la locura religiosa presente desde el primer cuadro con la notable Maia Francia en el papel de Cristina nos indica o nos amplía el universo textual y de debate, feminismo, la sorpresa ante una nueva “actriz social”, la mujer que pretende estar en igual lugar que el hombre. “¡Habráse visto semejante pretensión!” Pobre Juan. Pobres obrer@s. No hay tal reivindicación.

Igualmente se revela la contradicción -“lucha” y de clases como alguna dirigente no se atreve a mentar- permanente con el pasado, en otra paradoja más, repetida en Argentina, en este país con nombre de mujer medio siglo después. Dos mujeres. Dos mundos. Lo nuevo (Julia con una sorprendente Laura Azcurra) y la vieja Cristina. Pero no hay síntesis en Juan. (Un muy creíble Caspar.)

Strindberg, socialista y antifeminista según comentan sus biógrafos, tenía grandes “desórdenes” espirituales que le llevaron a dos fracasados intentos de suicidio, una mezcla de Nietzsche y Cristianismo con su historia de padecimientos y carencias entre otros muchos circunstancias, hicieron de él un dramaturgo feroz e implacable, contradictorio, molesto. Ferrari y Ure lo reviven nuevamente para agrado de los amantes del teatro.

Juan Lucas Tossard para LRN.

Audio de nuestra emisión - viernes 15/8

Ficha Técnica:

Autoría: August Strindberg; Versión: Claudio Ferrari; Actúan: Laura Azcurra, Carlos Kaspar y Maia Francia; Diseño de vestuario: Estela Martelotta; Diseño de escenografía: Marcelo Valiente; Diseño de luces: Pablo Calmet; Realización de vestuario: Estela Martelotta; Fotografía: Andrés D`Elia; Diseño de imagen: Alan Berry Rhys; Asistencia de dirección: Andres Muller;Producción Ejecutiva: Eduardo Tatay; Supervisión: Alberto Ure; Dirección y Producción Gral: Claudio Ferrari

Todos los sábados a las 21 hs. en el Teatro Belisario, Av. Corrientes 1624.
Entrada $35 / Tel. Reservas: 4373-3465

2008-08-26T14:51:00.000-07:00

Una compleja obra en el Patio de Actores.
El vínculo de la locura

“El gran ceremonial” con la dirección de Miguel Guerberof, muestra las perversiones humanas en su máxima lujuria

Espacio abierto. Caja negra. Ambiente despojado, oscuro. Tres muñecas colgadas y cinco personas. Movimientos discontinuos. Canción de cajita musical. Luz tenue.

- ¡Mamá!, el grito rompe el silencio lingüístico.

Fernando Arrabal es un autor español sumamente controversial, y a su vez complejo de representar, debido a la inmensa carga emocional y psicológica que tienen los textos. Sus obras, como podemos observarlo en “El gran ceremonial”, acarrean personajes conflictuados que rompen con la norma establecida, y con los parámetros sociales a los que el público está acostumbrado. El sexo, el dolor, la lujuria, y el poder, funcionan como las motivaciones del ser.

Miguel Guerberof, elige una estética realista para la interpretación de los personajes, la cuál provoca una enorme contradicción en los espectadores. Por un lado, se sienten identificados porque observan en los mismos un comportamiento habitual, mientras que el significado de sus palabras y la justificación de sus acciones pertenecen a un mundo enfermo. Esa contradicción constante es responsable de la permanente incomodidad en el público, respecto de lo que están siendo testigos.

Por otro lado, los actores, cada uno desde su papel y lugar, tienen una gran entrega y un alto compromiso corporal durante toda la representación, desde los momentos que están en primer plano hasta los que permanecen callados en escena.
El escenario oscuro provoca la necesidad de llenarlo con los cambios bruscos en los tonos de voz y las intensidades de los personajes.

En la obra se inmiscuyen problemáticas psicoanalíticas como el complejo de Edipo y el sadomasoquismo. Estos componentes se interrelacionan en el rito llevado a cabo por madre e hijo. Él se convierte en un súbdito sexual y servil de su propia progenitora. Sale de su casa en busca de una nueva mujer para entregársela como trofeo, y ésta, se transforme en su nueva muñeca-esclava, satisfaciendo así todos sus deseos. Esas son sus leyes, su habitualidad. Su propia realidad compartida.

Conflictos psicológicos extremos conviven yuxtapuestos en los personajes. Estados de embriaguez en las grietas de la demencia humana. Los observadores partícipes desean escapar de ese mundo dionisiaco; no soportan la exposición de las peores perversiones humanas.

Roberta De Biase, para Los Restos del Naufragio.

Ficha Técnica
Elenco: Javier Montú (Cavanosa), Gaby Lerner (Madre), Vanesa Motto Guastoni (Syl), Laura Dozo (Lys), Alejandro Spangaro (Amante) / Asistencia Técnica y puesta de luces: Mabel Rosati / Escenografía y Vestuario: Carlos Da Silva / Entrenamiento Vocal: Graciela Hernández / Fotografía: Sol Navedo / Prensa: Simkin & Franco / Dirección: Miguel Guerberof
Funciones: domingos, a las 20:30hs. Patio de Actores: Lerma 568.

2008-08-25T18:38:00.000-07:00

Manifiesto vs Manifiesto, de Susana Torres Molina y Marcelo Mangone.

Un infinito sin verdades

Un hombre de edad avanzada permite la entrada al espacio que conglomera diversas artes. Las mesas y la barra están ocupadas por consumidores/espectadores aún no identificados. Faltan cinco minutos para el horario estipulado del comienzo de la función. Se empieza a divisar a los que asistirán a la representación debido a la formación de la respectiva fila para adentrarse, por orden de llegada, a la sala.

El tic tac de un metrónomo organiza el ingreso del público que estratégicamente va eligiendo su silla. El escenario está compuesto por un tubo de oxígeno, dos televisores, cinco sillas con rueditas, un velador y una mesa.

Durante el transcurso de la obra se completará con la utilización del cuerpo de los actores como maniquíes escenográficos, cuando otro de sus compañeros lleva la voz de mando. Este es un hecho peculiar: los directores han decidido representar el binomio cuerpo/ arte de modo recitado, en muchos momentos de la obra. A partir de anécdotas, se plantean las expresiones, funciones y necesidades del cuerpo.

Procesos naturales (vida y muerte), alteraciones químicas (drogas y anabólicos), acciones placenteras (hacer el amor, reír y comer), y situaciones dolorosas (violencia y abandono). Diversas alteraciones físicas sobre nuestro soporte.

Preguntas como: ¿El cuerpo es arte? ¿El arte es creado por el artista?, permiten prorrumpir a Rudolf Schwarzkogler, representante del Accionismo Vienés :movimiento artístico que ejercía la violencia radical como estética a través de las manifestaciones públicas (performances). En la obra, el medio audiovisual nos permite ver algunas de ellas, como así también a un psicólogo que las descalifica como hechos artísticos. Además se intercalan imágenes de los actores en estados corporales tanto betas como alfas.

Un gran compromiso y concentración constante de los intérpretes. Tres energías en voces y cuerpos heterogéneos pero muy agradables en conjunto debido a esta diversidad.

Nada se establece, convive siempre la dialéctica, convergen las dos opiniones opuestas respecto de un tópico: Manifiesto vs Manifiesto.

El sonido constante de un metrónomo, organiza el egreso del público. Las mesas y la barra están ocupadas por consumidores que observan a los espectadores retirarse de la sala. Un hombre de edad avanzada permite la salida del espacio, el círculo se abre.

Roberta De Biase, para Los Restos del Naufragio

2008-08-25T17:14:00.000-07:00

Marcelo Katz presenta “Ilusos" ,una propuesta sensible, ingeniosa y muy divertida en el Portón de Sánchez.

Papelitos surtidos

Cinco sueños yuxtapuestos tejen una trama de historias mínimas, que sin embargo funcionan como el eje a partir del cual se desocultan los personajes.

“Ilusos” lleva a escena historias que aún no existen, cristalizadas en sueños, siempre efímeros como vagas visiones de papel.

Recorre ingeniosamente los sentimientos de sus personajes, arma y desarma. Sorprende por la sutileza con que cada acto se presenta.

Con una puesta en escena excelente, llega hasta lo más íntimo del espectador quien se atreve a ser intérprete, ni bien un personaje lo interpela. Sobre la isla de papel en la que estos se despliegan.

“Ilusos” muestra la inmensa capacidad del hombre: el poder de superar las fronteras espacio-temporales para nombrar, y convertir ése discurso en “sueño”.

Es sin duda, una obra excelente, sensible y profunda. Con actuaciones magistrales, invita a experimentar la geografía empapelada en la que convergen aquellos hombres y mujeres ávidos de vida, a medio camino entre un presente constantemente borrado y un futuro que no se deja dibujar.

Cintia Mariscal, para Los Restos del Naufragio.

Ficha Técnica

Autores: Compañía Clun
Elenco: Irene Sexer, Luciana Wiederhold, Pablo Fusco, Sebastián Godoy, Juan Noodt.
Diseño de Escenografía: Cía. Clun y Gabriel Díaz
Realización de Escenografía y jefe Técnico: Gabriel Díaz
Diseño de Vestuario: Gabriela A. Fernandez
Realización de Vestuario: Marta Dieguez
Diseño y realización de Peinados: Fernando Ibáñez
Barbytólogo: Miguel Rur
Asesoramiento Coreográfico: Gabi Golberg
Diseño de Iluminación: Fernando Berreta
Música: Sami Abadi
Diseño Gráfico: Agustin Pérez Laspiur
Fotografía: Sol Levinas
Asistente de Dirección: Leonardo Quiroz
Asistente de Producción: Iris Intilangelo.
Productor asociado: BD cine
Dramaturgo y asesor de Puesta en Escena: Martín Joab
Dirección General: Marcelo Katz
Dirección: Sánchez de Bustamante 1034 Reservas: 4863-2848Funciones: Sábado 23 hs.

2008-08-25T16:58:00.000-07:00

Danza – Teatro en la sala regenteada por Alberto Félix Alberto
Las pasiones del ánimo
en movimiento
¿Remedios contra el amor? o la reflexión del afecto.

Et vos, qui sero lapsum revocatis, amici,
quaerite non sani pectoris auxilia.
Fortiter et ferrum saevos patiemur et ignes,
sit modo libertas, quae velit ira, loqui.
Ferte per extremas gentes et ferte per undas,
qua non ulla meum femina norit iter.
Remedia Amoris.

Remedia Amoris, quizás la obra más importante de Ovidio –junto con Las Metamorfosis-, ha sido el eje de una restringida transposición al lenguaje de la Danza, producto de la investigación y el trabajo de la bailarina –y actriz-: Laura Sapriza Morán.

El texto escrito en el año 1 d.C., constituía un extenso poema perteneciente al género de la literatura didáctica latina, donde se enumeran normas básicas de conducta para sobrevivir a un amor desafortunado, complementándose con un escrito anterior del mismo autor, Ars amatoria.

Desde el título, las enunciadoras del espectáculo proponen una ruptura con el original, aquí se obtura la aseveración, postulando la crisis que toda interrogación instaura: no importan las respuestas, la jerarquía radica en la pregunta. Así, ¿Remedios contra el amor?, asienta su juego en la duda frente a la salida indemne de toda relación amorosa, las marcas impresas en la subjetividad de los personajes, producto de múltiples relaciones, aparecen en el escenario con una delicada combinación de interpretación dramática y movimiento.

Las bailarinas-actrices emplean una mixtura de técnicas pertenecientes a la Danza moderna –la contracción/relajación y la caída/recuperación- dibujando intensos fraseos sobre el escenario despojado que intiman al espectador; quien, sin dudas, saldrá afectado del espectáculo ante la interpelación constante.

El trabajo con el piso es otro aspecto destacable, no sólo por la interrelación que despliegan sobre él las bailarinas, también porque las características de iluminación permiten resaltar los pies y el cuerpo, destacando la coreografía y las formas bellas de los cuadros generados.

Dos mujeres formulan una relectura, invirtiendo cierta postura de género presente en el poema de Ovidio, actualizan el texto desde un estadio de la feminidad que se abre a la universalidad de la consecución del sentimiento.

El espectador no hallará las recetas que le permitan soslayar el peligro de estar vivo, pero encontrará una propuesta atractiva, creativa, y poco frecuente en la escena porteña.

Conrado Beretta, especial para Los Restos del Naufragio.

Ficha técnica
Idea y Dirección: Laura Sapriza Morán. /Coreografía e Intérpretes: Paula Budnik y Laura Sapriza Morán. /Asistencia: Paz Sapriza. /Música: Toña “La Negra”, Lila Downs, Lola Beltrán, Chavela Vargas, Roberto Carlos y otros. /Diseño de Luces: David Seldes. /Producción de Video: Santiago Cortabarria. /Maquillaje y Vestuario: Flavio Marasca. /Fotografía: Mariana Sapriza Morán.
Lugar: Teatro del Sur, Venezuela 2255 Reservas: 4941-1951

2008-08-06T19:04:00.000-07:00

"Como Blanca diosa", la nueva puesta del prestigioso director Hugo Urquijo, en el Teatro del pueblo.

De New Orleans a Banfield.

De como Blanche Dubois devino Ema/Rosa

La música de Sandro. Tal vez hablar de Sandro sea lo más apropiado. Éxitos de fines de los sesenta. La candidez de los años del amor, de la experimentación, del mayo francés y un mundo que se sacudía. Con estas marcas, Daniel Dalmaroni nos introduce a un viaje por la añoranza (¿locura? ¿bipolaridad?) de una mujer fanática de un ícono devenido en prócer de la música argentina.
Una planta escénica acorde, despojada; un espacio donde predomina el rosa. Todo es rosa y rosado. Ema también. Es Rosa. Rosa por casualidad y causalidad.

Como blanca diosa es la historia de un amor ideal, la locura del amor de una mujer por un hombre idealizado. Una estrella. "¡Stella de estrellas!" gritaba de alegría Blanche Dubois cuando llega a visitar a su hermana, quien podría ser Milvia (Cecilia Dopazo) para la ocasión.

Amor enloquecido y sufriente el de Blanche, amor de admiración y sobria bipolaridad el de Ema/Rosa.

La universalidad del Arte, del teatro en la acción, en clave de comedia en la obra de Daniel Dalmaroni, con la medida y filosa impronta de Urquijo.

Comedia y tragedia unidas por una manía. La manía del amor, de la búsqueda del amor ideal en el seno de dos parejas cotidianas, "de barrio".

¿Una relectura de A streetcar named Desire (Un tranvía llamado Deseo) o una parodia de la locura que embarga a la mujer que se siente sola en compañía, sojuzgada por el matrimonio burgués, que prefiere la "seguridad" de la institución a la soledad?
Acertadamente, las canciones de "Sandro de América" puntúan la obra, en consonancia con su desarrollo, "un mundo de vibraciones" de ensueño, "de sensaciones" que pululan en derredor, como un fantasma de alegría, pero que en definitiva nunca se desvanece, pero tampoco se concreta.

La decadencia de Blanche revisitada en Rosa, amargamente alegre, ilusa, raptada por extraterrestres, bipolar, con humor negro, con Graciela Dufau conducida magistralmente y un elenco acorde y muy bien acoplado.
Fanatismo, locura, en una búsqueda universal que "conduce a la dulce pena de sufrir", el encuentro de la felicidad.

Audio de nuestra emisión del viernes 25/7

Juan Lucas Tossard, para LRN

Ficha técnica

Actores: Ricardo Talesnik, Cecilia Dopazo, Graciela Dufau, Néstor Caniglia (Lionel Campoy)

Autor: Daniel Dalmaroni ; Prensa : Simkin & Franco; Asistente: Andrés Giardello; Producción: Jorge Dyszel; Asistente de dirección: Melisa Melcer ; Dirección: Hugo Urquijo.

2008-08-05T04:08:00.000-07:00

"Crudo", en No Avestruz.
La vida es puro teatro

José María Muscari se sube a las tablas renegando de ellas y afirma que no es ficción. Abre las puertas de su mundo de obsesiones y deseos.

Hace ejercicio, cocina, habla con su mamá y su papá, chequea mails, baila, canta y relata sus miedos más profundos, sus obsesiones y sus deseos.

José María Muscari comparte los pasajes de su vida en “Crudo”, la obra que escribió junto con su amiga, vecina y colega, Mariela Asensio, en la que, según sus propias palabras, lo muestra en toda su esencia.

Lo primero que llama la atención es que un hombre de teatro, con una prolífica producción y que este año saltó al circuito comercial de calle Corrientes, quiera hacer una obra a la que define como que “no es ficción”, en donde muestra “la vida misma”, “su” vida misma. Como si fuera un participante de un reality show recorriendo los programas de chimentos de la televisión del mediodía, habla de su vida familiar, de su miedo a ser obeso como su padre, de la relación con su madre, del cuidado obsesivo de su cuerpo en busca de una belleza que le quita el sueño y le hace ir al gimnasio todos los días, y cumplir con un estricto plan de alimentación basado en productos dietéticos y de marcas de primera línea. Esto no es ficción, son los temas que lo agobian. Como lo agobian también lo que puedan decir de él los críticos que juzgan su trabajo sin haberlo visto nunca. Como lo agobia el hecho de sentirse lindo y, sin embargo, solo, sin nadie con quien compartir su vida. Como lo agobia, la soledad que se incrementa cuando su computadora no funciona.
Muscari, en “Crudo”, no hace ficción, hace realidad. La realidad de millones de personas que sienten los mismos miedos que él, como el de ser reconocidos por la mirada del otro, aceptados y principalmente, amados y queridos. Quizás el espectador se sienta reflejado en ciertos pasajes, en otros, dejará que la propia obsesión de Muscari cobre vuelo y es ahí en donde deberá preguntarse sobre sus propios miedos y obsesiones. Es ahí donde entra la ficción, para interpelar la realidad, porque lo que hace Muscari junto con Asensio, es teatro. Un teatro con su vida misma.
Se nota que más allá de sus angustias, miedos, broncas y frustraciones, Muscari está contento con su vida. ¿El espectador que va a verlo, está contento con la suya?

Ricardo Sarmiento, para "Los Restos del Naufragio".

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Mariela Asensio, José María Muscari
Actúan: Soledad Cagnoni, José María Muscari, Mariana Plenazio, María Soledad Tuchi
Diseño de luces: Matías Sendón
Realización de escenografía: Nicolás Botte
Asistencia técnica: Diego Casado Rubio
Asistente de producción: Diego Rinaldi
Asistencia de dirección: María Soledad Tuchi
Producción general: Héctor Bordoni
Coreografía: Gabriela Barberio
Dirección: Mariela Asensio
Web: http://www.crudoteatro.blogspot.com

Noavestruz
Humboldt 1857
Teléfonos: 4777-6956

2008-08-02T15:03:00.001-07:00

Hermanecidos, con dramaturgia y dirección de Claudio Pazos
La sordidez del vínculo
En el Teatro Boedo XXI se presenta un espectáculo sombrío y sugestivo.

¿Cuál es el estatuto del lazo familiar? ¿Qué historias se ocultan detrás de todo núcleo interpersonal? ¿Qué dimensión posee el amor materno? Tales interrogantes parecen atravesar la obra en toda su corpulencia; es que en Hermanecidos, aparece la aberración como eje del conflicto que motoriza la representación.

Un trabajo impecable de los actores bajo la dirección de Claudio Pazos, propone al espectador el ingreso a la vida privada de dos hermanos que han padecido la exacerbación del amor materno en su máximo esplendor, entre los límites de la sujeción y la monstruosidad.
Ellos se proponen ahora vender el inmueble que han heredado, para ello, ofrecen una charla sobre las bondades de la casa a un grupo de posibles compradores. Los espectadores serán instados a participar desde la narración a través del artificio teatral desplegado en el espacio de la escena.
La platea, diseñada en medio del living de la casa, sillas en círculo dispuestas para la observación de los asistentes, posibilitan la permanente expectación del público ante la exposición del perturbado parentesco que une a los personajes. Las marcas del lazo maternal se materializan de manera vertiginosa entre acertados momentos de un humor sombrío, intercalados en la negrura total del texto. Poco a poco, el secreto será develado para sorpresa de los testigos, que hasta son convidados con una taza de té.
La sala constituye el ámbito teatral más que propicio para llevar a cabo este espectáculo, el Teatro Boedo XXI, se encuentra establecido precisamente en lo que fue una amplia casa del barrio.
Hermanecidos, a la manera de un precursor como Alfred Hitchcock, mantiene al espectador en un constante estado de “suspense”, durante todo el espectáculo, postulando una recóndita reflexión acerca de las hilachas de una relación familiar.

Conrado Beretta, para “Los Restos del Naufragio”

Con Veronica Valle y Alfredo Rizo
Diseño de iluminación Ivan Nirich
Diseño Grafico Jorge Lopez
Asistente Carla Tarantino

Prensa: Castillo - Arango
Dramaturgia y Dirección Claudio Pazos

VIERNES 21 hs - Boedo XXI (Boedo 853) CABA - Reservas 4957 1400

2008-07-30T19:09:00.000-07:00

"Asilo; para que vuelvas" , en el Teatro del Viejo Palermo.

La astucia del tiempo

Una propuesta multimedia que interpela al espectador desde el primer momento.

El último minuto de vida es vida
y no muerte anticipada
Nasim Hikmet

Nacer, crecer, reproducirse, morir.
Nacer, crecer, trabajar, alimentarse, reproducirse, alimentar, morir.
Envejecer y estar solo. El confín, al que se asoman las visitas titilantes. Esperar.
Esperar la muerte que ha invadido ya, los oscuros silencios, las miradas perdidas, los arcanos suspiros. Ser improductivo. Necesitar.

“Asilo; para que vuelvas” explora y confunde. Abre ventanas allí donde parecen levantarse muros. Desplegando espacios heterodoxos, utilizando vastas plataformas de sentido que inaugura el discurso del ausente, del olvidado.

Un conjunto de jóvenes actores se viven viejos, se viven solos.
El pasado protegido por el amante que no puede abandonar. El niño perdido que anuncia el noticiero, como metáfora de sus propias existencias, el ir y venir de los años, las fotos, las joyas. La espera, herrumbrosa, diletante, amarga.

Una obra para ver sin edades, asumiendo la lógica de lo que respira, de lo que vive y de lo que un día ha de morir.

Una historia sincera que impele a la reflexión. Casi erigiéndose como un espejo inconcluso en donde nuestra imagen se proyecta.

La astucia del tiempo que una vez inventado no podemos detener.
Una historia llena de huellas, de yuxtaposiciones, sin tiempo, sin espacios.
Una historia del hombre.

Cintia Mariscal, para "Los Restos del Naufragio".

Ficha Técnica:
Intérpretes: Cecilia Meijide, Gastón Filgueira, Nacho Bozzolo, Iván Schvetz, Laila Duschatzky, María Estanciero y Lalo Garavano; Vestuario: Laila Duschatzky, Prensa: Silvina Pizarro; Escenografía e Iluminación: Anibal Kelvo y Nacho Ciatti, Operador de Luces: Raúl Nogueira, Asistencia: Gabriel Noacco y Juan Ferreyra, Realización Escenográfica: El ensamble orgánico, Selección Musical y Tema Original: Nacho Ciatti; Diseņo Gráfico y Fotografía: Yamila Kliczkowski (Estudio guapabombón), Producción Ejecutiva: Gastón Filgueira; Estética, videoescenografía y dirección visual: vj_anibal kelvo, Idea, dramaturgia y dirección general: Nacho Ciatti

Teatro del Viejo Palermo (Cabrera 5567, los viernes a las 22).

2008-07-30T16:11:00.000-07:00

Teatro - "El desafore, o fragmentos de un desencuentro"

Ser, entre el olvido y la memoria

La directora y dramaturga , Nora Goldberg , presenta un nuevo trabajo en La Ranchería.

“Un teatro no es más que un pacto
con el absurdo”
Julio Cortázar
“Instrucciones para John Howell”

¿Cuál es mi nombre? Si sabia, no nacía. ¿Lujuria o monotonía? ¿Morir o matar?
La mujer mira por detrás del velo, la cuarta pared casi quebrada, casi infranqueable.
Se suceden por fragmentos, metáforas vacías, palabras inconexas, plumas rojas y el humo de la locura.

Se visten, se desnudan. Se tocan, se miran, se preguntan. No hay respuestas, casi no hay historia. Sólo dos mujeres detrás del velo, la cuarta pared inconclusa.
El espectador escafandra, a intervalos reconocido, imputado; por momentos incorpóreo, huidizo, invasor.

“El desafore...” abre interrogantes que nunca concluye, inaugura una historia sin derrotero, llora un pasado que no nombra. Sólo fragmentos de un recuerdo que amenaza violentar el silencio del presente.

Fotos, brillantes imágenes robadas del aire.
Ambos cuerpos pierden sus fronteras, se suman, se sustraen. Son el eco de una vida que las une hasta matarlas.

Una madre convocada por el ruidoso crujir de los cristales, el accidente bajo la pisada firme de quien niega.

Ambas instauran el minuto donde el olvido y el recuerdo insisten en un abrazo fatal. Ambas se pierden detrás del velo, bajo la luz enmohecida que las moja. Ambas intentan olvidar, sortear el obstáculo de “ser humano”. Renunciar a la existencia. Sobrevivir.

Cintia Mariscal, para "Los Restos del Naufragio"

Ficha técnica:
Actúan: Mónica Alba y Daniela Casalla
Diseño y realización de escenografía: Alejandro Szklar
Diseño y realización de vestuario: Cecilia Senno
Diseño de luces: Víctor Carreira
Diseño y realización de imágenes: Daniela Casalla
Música original: Norberto Moreno
Asistente de dirección: Paula Ligüero
Dramaturgia y dirección: Nora Goldberg
Prensa: Castillo – Arango
Teatro La Ranchería
México 1152
Reservas: 43825862

2008-07-25T04:30:00.000-07:00

Marcelo Katz ofrece, nuevamente, tras la presentación en el Centro Cultural Recoleta, una lúdica propuesta en el Espacio Aguirre.
La poesía en el agua
Mediante un cúmulo de acciones pertenecientes a la estética del clown, el espectáculo produce espesas imágenes poéticas en torno a elementos naturales que se interrelacionan con el agua.

Marcelo Katz y su grupo de alumnos proponen una vez más, un trabajo signado por el humor, compuesto de juegos simples y develadores de nosotros mismos.
Diez sckechts disponen la totalidad del espectáculo, urdidos mediante un elaborado entramado donde destacan la estética, la temática, la risa.
“Aguas” interpela a los espectadores, constituyéndolos en un elemento más para su creación. El juego, el absurdo, se revelan desde el inicio , en la antesala , donde somos interceptados por dos plomeros que desean instalar un inodoro. La obra se ha preconcebido desde la palabra, considerando la importancia y la funcionalidad del elemento que designa al espectáculo.
Inicia la función, comienza a correr agua por el espacio escénico, y en más de una oportunidad cubrimos nuestras caras, protegemos nuestros cuerpos por miedo a ser mojados.

La escenografía y el vestuario han sido determinados en función del líquido: los largos telones fueron cubiertos con un protector plástico que permite el trabajo en la escena ; el prendedor del alumno, símbolo de premio ganado, es hecho con una rejilla de la pileta; todo está pensado en función de lo otro que puede ser, las botellas y el cuerpo pasan a convertirse en instrumentos musicales, la bañeras en tablas de surf, y hasta el balbuceo de un niño espectador es retomado por el clown , para hacerlo propio e incorporarlo al juego.

Una vez más, lo lúdico, simple, lo ingenuo, y la torpeza a un ritmo chaplinesco, se combinan con lo inesperado, las peleas de pareja terminan en una gran contienda y revancha, o simplemente descubrimos que la señora tenía tapado el inodoro de su casa por que allí iban a parar todas las cosas que le molestaba, inclusive su marido.

Sin embargo, la poesía no deja de estar presente, se materializa a través de los colores y la música, se crea un arco iris en el escenario a partir de “That´s a wonderful day”.
La destreza del lenguaje corporal se despliega a través de los juegos rítmicos-coreográficos, un cuerpo que se hace dos cuerpos, o dos cuerpos que se hacen uno, solo al ser tapados con un bastidor, y la maravilla de la creatividad nos causa una ilusión óptica similar a un cuadro de Magritte.

Así como Katz sostiene que la técnica del clown es válida tanto para actores como para no actores, sus espectáculos son gratos de ver no solo para los amantes del teatro, también para aquellos que bucean de vez en cuando en la escena local , ¿a caso quien se negaría al poder del juego cándido , saludable y divertido?

Mina Bevacqua , para "Los Restos del Naufragio"

Ficha Técnica:

Elenco: Cecile Caillon (Corchete), Javier Pomposiello (Sorrigueta), Demián Candal
(Ciático), Alan Stivelman (Flatón), Santiago Legón (Divague), Lisandro Penelas (Habanna), Leila Zimerman (Rivadavia), Anibal Flamini (Piolo), Brigida Lozzi (Alcurnia), Lucía Baya Casal (Dale), Sebastián Godoy (Federico), Mercedes Hernández
(Marchiquita), Gabriel Kohan (Ritten), Marcos Arano (Bidón), Irene Sexer (Marta), Elsa Agras (Bambalina), Damián Ramonda (Saltonalto), Adriana Ferro (Purita Espuma), Gabriel Martínez (Timorato), Maximiliano Carrizo (Procer), María Milagros Fabricio (Proletaria), Guido Guernik (Marzo), Tomás García Querol (Eugenio), Alma Montiel (Amparo), Natalia Santiago (Untable), Ángeles Cravero (Adorno), Alejandro Talarico (Arveja), Adriana García (Figaza), Leonardo Quiroz (Prematuro) y más invitados./ Ambientación: Analía Gaguin / Realización de Escenografía: Analía Gaugin.
Asistente de Realización: Dario Kullock / Diseño de Vestuario: Aguas y Analía Gaugin
Diseño de Iluminación: Fernando Berreta / Fotografía: La corazonada / Diseño Gráfico: Sergio Lamamy / Prensa: Simkin & Franco / Asistente de Dirección: Nano Zyssholtz
Producción: Iris Intilangelo / Dirección General: Marcelo Katz
Funciones: sábados a las 20hs en Espacio Aguirre, Aguirre 1270.

2008-07-24T17:35:00.000-07:00

Otra versión de Stéfano, el texto perteneciente a Armando Discépolo, estrenado en 1928.

En el camino del llanto

El grupo Apacheta, dirigido por Guillermo Cacace, sube a escena un clásico del teatro argentino
que permite ver la desnudez de la humillación y la desgracia humana.

La bienvenida: costumbres modernas recubiertas por la sociedad de nuestros antepasados, una tarjeta postal impresa como paratexto, envuelta por una carta en letra cursiva sobre papel calco.
El público, degustando un vinito tinto de cortesía, espera que comience la obra en el hall de entrada. Para sorpresa de todos, un hombre con gafas, que por cierto es el director Guillermo Cacace, invita cordialmente a “empezar a ver que está ocurriendo” en el espacio escénico. Descorre el cortinado divisorio del hall y el espacio escénico, los espectadores aún parados, comienzan a cabecear para poder espiar esa cena familiar de inmigrantes. Se crea la ilusión de estar viendo una realidad, la cual simula no necesitar al público para existir, en vez de una representación teatral. Luego de unos minutos, los que han pagado su entrada ocupan las sillas vacías para seguir disfrutando de la función.

El texto original de Armando Discépolo, un reputado texto del teatro grotesco argentino, es respetado al pie de la letra. En el mismo se devela la decadencia y la desesperanza de una familia de inmigrantes italianos. Enfrentamientos generacionales y pérdida de motivaciones para subsistir, son los conflictos que transitan los personajes. El padre fracasado con supuesta sabiduría, pero sin cumplir los requisitos laborales de especificidad de la época. La madre defraudada plenamente por su esposo. Los abuelos arrancados de su tierra para tener que soportar la pobreza económica acarreada por su hijo. El primogénito alienado por su trabajo, debe renunciar a sus sueños. El hijo y la hija desvividos por su progenitor que sólo les realiza promesas, luego incumplidas. El discípulo responsable de mostrarle a su maestro la ineptitud que conlleva para adaptarse a los requerimientos del sistema.
Todas estas vidas desgraciadas son consecuencia del fracaso de Stéfano. La felicidad resulta inalcanzable en los profundos vacíos emocionales y materiales de los personajes, en los cuales ni siquiera la apariencia logra operar. La cruda realidad.

Es notable el trabajo actoral que genera en conjunto todo el elenco, alcanzando sostener los diferentes tipos de grises, sin dejar de pertenecer a este gran conglomerado de colores oscuros.
Las disposiciones espaciales de los actores son acertadas, visualmente impactantes, sin embargo, por momentos los actores no parecen haberlas internalizado en su totalidad.

Al igual que los actores cuando repiten el mismo texto, la obra va incrementando en intensidad los sentimientos de dolor, angustia y opresión. La música y la iluminación funcionan como separadoras o introductoras de una nueva situación dramática, creando el clima necesario para la misma.
Un violín, sepias, una armónica, blanco, la lluvia, acero, un piano, contribuyen al aumento de la pesadumbre general.
Los colores apagados y desgastados de la escenografía y el vestuario, ayudan a potenciar el ambiente lúgubre. Muebles de madera antigua, y esos ropajes que de tanto uso parecen adheridos a los cuerpos.

El público se retira de la sala con la experiencia de haber presenciado, consumado en el soliloquio final de Stéfano, el nivel máximo que puede alcanzar la humillación y la desgracia humana.

Roberta De Biase (Chuchuni), especial para “Los Restos del Naufragio”.

Ficha Técnica

Actuación: Carmen Luciarte (María Rosa), Jorge Nicolini (Don Alfonso), María Sol Cintas (Ñeca), Andrés Molina (Radamés), Silvia Dietrich (Margarita), Miguel Sorrentino (Esteban), Raúl Ramos (Stéfano), Antonio (Bax Pastore) Música original: Patricia Casares / Diseño de luces: David Seldes / Escenografía y vestuario: Lala Celeznoff-Guillermo Cacace / Asistencia de dirección: Lola Banfi / Realización de vestuario: Emilia Martins / Operador de luces: Mariano Arrigoni / Operación de sonido: Romina Padoán / Prensa: Simkin & Franco / Colaboración artística: Julieta Abriola / Asistencia de Producción: Julieta De Simone / Dirección: Guillermo Cacace / Producción general: Grupo Apacheta

Funciones: viernes, a las 21hs -

Apacheta Sala – Estudio: Pasco 623 - Teléfonos de reserva: 4941-5669 / apachetasalaestudio@gmail.com Duración: 100 minutos

2008-07-24T06:57:00.000-07:00

Diario Argentino, un film realizado en el marco del posgrado de creación documental, en la universidad Pompau Favra.

Los fraudes del recuerdo

Un regreso en busca de aquellos lazos que vinculan íntimamente la subjetividad con la historia política y social del país.

«Estamos construidos en memoria,
somos a la vez la infancia,
la adolescencia, la vejez y la madurez».
Federico Fellini ( citado en “La imagen Tiempo”, Gilles Deleuze)

Continuando con una agenda de lanzamientos de considerable relevancia para el género documental, se ha estrenado la ópera prima de Guadalupe Pérez García , Diario Argentino, una producción que se generó en el proceso de graduación que la directora consumó en la Universidad Pompeu Fabra.
El documental se inscribe dentro de una delgada línea narrativa que fluctúa de un lado a otro, entre la ficción y la propia historia personal de quien enuncia; la autora se desempeña a ambos lados de la cámara , construyendo un relato biográfico plausible.
Comienza con un plano detalle de las manos de Lupe, su voz en off nos confiesa que , desde la infancia , ha confundido “la izquierda y la derecha” , artificio con el que introduce el conflicto que vertebrará todo el desarrollo del audiovisual : el peronismo. Efectivamente , el fenómeno político más importante del siglo XX en la Argentina, como espacio aglutinador del movimiento de masas, es debatido a lo largo del film.
La protagonista evoca una imagen constante que flamea en sus recuerdos mozos : el General Perón saludando a la muchedumbre , luego de haber desembarcado en Ezeiza , el 20 de junio de 1973 , desplazándose hacia atrás mientras monta su insigne caballo blanco. Estas maquinaciones que la invaden desde la niñez, motivan un efímero viaje de regreso por parte de Guadalupe – vive y trabaja en España , a donde se fue luego de la crisis del 2001 - , con el objeto de visitar a su madre e indagar en los recuerdos.
La composición narrativa manifiesta algunos logros de relevancia , como el empleo de imágenes documentales de archivo, la disposición de los sintagmas que tejen el relato, la intervención del montaje en las imágenes, y la factura de los planos durante el viaje en tren que la protagonista comparte con su madre.
Un controvertido curso de buceo realizado por Lupe , funciona como alegoría del viaje que ha emprendido, la exploración a las profundidades de sus remembranzas que se entrelazan con los hechos del contexto socio histórico en el que se ha constituido como sujeto.
Por lo demás , el material audiovisual se formula como un presuroso recorrido que une varias situaciones consideradas como “bisagras simbólicas” de la historia argentina : el golpe militar de 1976, el advenimiento de la democracia tras la guerra de Malvinas , la llegada al poder de Carlos Menem, la victoria de la Alianza, y la posterior crisis política de 2001.
Diario Argentino, un trabajo en primera persona que postula las particulares consideraciones que la autora ha elucubrado respecto a su historia subjetiva en el marco de la Historia Nacional.

Conrado Beretta , para "Los Restos del Naufragio"

Ficha técnica

Guión y Dirección: Lupe Perez Garcia / Productora España: Marta Esteban / Productores Argentina: N. Cervi / H. Musaluppi/ S. Bontá / Fotografía y Cámara: Carlos Essmann / Montaje: Domi Parra / Musica: Germán Cancián / Dirección de Arte: María Eva Duarte / Dirección de Sonido: Rufino Basavilbaso / Dirección de Producción: Fiona Heine - Lilia Scenna / Asistente de Dirección: Jose Luis Cancio / Jefe de Producción: Fernando BromDatos técnicosDocumental, España - Argentina 2004, Beta Digital, Blow up 35mm, color, 79 minutos.Producido por Imposible Films (España), en coproducción con Rizoma Films (Argentina), con el apoyo de Canal Plus y TV3 Cataluña (España), e INCAA (Argentina).

2008-07-21T16:46:00.000-07:00

Una interesante propuesta en el Teatro del Pueblo

La parte oscura

"La boca del ratón" es un espectáculo compuesto por dos obras: Boca Ratón de Roberto Perinelli y “Ratones en la boca” de Andrés Binetti, quien junto a Paula Andrea López, tiene a su cargo la dirección total de ambas propuestas.

Tres mujeres aparecen en escena, tres que son seis y que son una. Dos historias consecutivas exploran deseos auténticos, imperativos irreverentes, su parte más oculta.

“Boca ratón” de Roberto Perinnelli y “Ratones en la boca” de Andrés Binetti, ambas obras enlazadas por la somera escenografía y la voz latosa que se oye de una pequeña radio.
En ambas se desarrollan ejes de presencia/ausencia que sostienen la trama. Presencia de un exterior que nunca se establece : En "Boca Ratón", el desempeño deportivo de la niña, el prometido viaje a Boca Ratón donde su padre se encuentra; en la segunda, el insólito homicidio, la complicidad de la hija en los hechos, la historia de la amante de su padre. Presencia/ausencia del padre, siempre convocado por la palabra, aunque nunca aparezca, por la distancia o el divorcio en la primera, por la muerte inesperada en la segunda. Ambas historias cargan en el hombre el peso del rencor, de la bronca, del odio. Su ausencia simboliza el lugar de la llaga, del abandono y el eco resonante de lo que volverá a ocurrir.
Los hechos acontecen ocultos tras un discurso pretérito, que construye y destruye, crea y mata.
La grotesca alusión al psicoanálisis invita a la risa, a la complejización hasta el absurdo, al desacuerdo, y desemboca en ese impulso atávico que expone ante los ojos aterrorizados de los demás, la parte mas oculta del humano. Aquella que goza en el sufrimiento ajeno, aquella que se deleita en el vaivén de un brazo que puede decidir entre la tierra y el abismo.
“La boca del ratón” merece un paréntesis, algo que permita suspender el avasallante poder del reloj, para lograr desentrañar hasta lo insólito escondido tras la mueca de risa. Eso quizá sea lo más humano de cada uno, nuestra parte más oscura.

Cintia Mariscal, especial para "Los Restos del Naufragio".

Ficha:

Autor: Roberto Perinelli y Andrés Binetti - Elenco: Ana Luz Kallsten, Ana Maria Castel y Viviana Suraniti. Prensa: Duche y Zárate - Lugar: Teatro Del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943 – Reservas: 4326-3606) Horario: Viernes a las 21 hs.

2008-07-18T10:18:00.000-07:00

"Partes del libro familiar", un personaje atraviesa dos obras , construyendo una impronta del lazo.

“La polisemia inevitable”

Ser hijo, ser padre y ser abuelo. “¿Cuándo se es?” “¿Cuándo soy?”

Pregunta existencial, diaria y tácitamente formulada en nuestra interacción en sociedad. Con l@s otr@s. La familia, ese “Otros” ominoso, omnipresente. Condensación móvil de la historia familiar de un hombre cualquiera, un hombre común.

El final –un abuelo senil- que principia la obra nos anticipa amargamente, a toda luz, en una conversación-monólogo las peripecias recurrentes de ser. “Ser padre”, “ser hijo”, “ser nieto”.

La naturalización descarnada en la escena del destino de Calibino, trágico. Imperiosamente obediente. Fotos, recuerdos, que van y vienen acompañados por la fotografía móvil de un sofá familiar. No existe el presente, no existe el pasado, en el protagonista se funde su historia, su vivir en acto.
Luces adecuadas para enmarcar la consabida foto familiar hipócrita, devastadora y terminante. Actuaciones convincentes y un resabio de amargura ambivalente para el/la espectador/a de ver en acto tanta cotidianeidad “familiar”.

Juan Lucas Tossard, para Los Restos del Naufragio.

Audio de nuestra emisión - Viernes 18/7

ElencoMatías Panelo, Eduardo Peralta, Teresa Murias y Matilde RíosEscenografía y vestuario: Mercedes ArturoAsistencia escenografía y vestuario: María Belén Del Mazo / Catalina TagliaficoIluminación: Fernando BerretaMúsica y sonorización: Guillermina EtkinDiseño gráfico: Mariana RovitoFotografía: Ximena MartínezPrensa y difusión: Duche&Zárate Producción ejecutiva: EPAsistencia de dirección: Maria Elena AcuñaDirecciónPaula Andrea López

ElKafka Espacio Teatral.Lambaré 866 - Domingos a las 19 - reservas 4862.5439

2008-07-18T10:02:00.000-07:00

Rigopal, la segunda entrega de una trilogía teatral escrita y dirigida por Hernán Morán, postula una substancial consideración acerca de la mirada.

Observador observado

El proyecto total que se articula con el universo hitchcockiano, trabaja sobre tres substanciales films del maestro inglés: Vértigo, Rear Window y Psycho – con la que Morán proyecta la última parte -.

¿Desconexión? O simplemente caminos paralelos dentro de los significados que cada uno le atribuye a las palabras. ¿Existe un sentido verdadero y uno falso? ¿Apariencia o realidad? ¿Literalidad pornográfica o subtexto enmascarado? He aquí el mundo de la pareja que protagoniza “Rigopal”. ¿O de todas las parejas en la actualidad?

Como podemos apreciarlo en esta obra, el teatro ha dejado de ser logocentrista, todos los signos que conviven en el escenario están cargados de sentido, confluyen en la redundancia, y constituyen la polisemia. Gilles Deleuze afirma, en “La imagen movimiento”, que: “Es la cámara, y no un diálogo, quien explica por qué el héroe de La ventana indiscreta tiene una pierna rota (fotos de coche de carrera en su habitación, máquina de fotos rota)”.
Precisamente, el director Hernán Morán, se ha inspirado en el cine de Alfred Hitchcock para pergeñar una trilogía – iniciada por “Hipocampo” – donde los textos cinematográficos subyacen bajo la estructura del drama.

La escenografía, la iluminación precisa, las acciones en “mute” - momentos deliciosos de los intérpretes -, los sonidos y la música, adquieren un carácter de suma relevancia para que el público pueda cimentar la diégesis en su totalidad. Además, los espectadores forman parte de la obra, los actores los incluyen en su universo dramático como testigos pasivos, logrando así la constitución del hecho teatral.

El humor atraviesa desde el diálogo hasta la corporalidad de los personajes provocando una sonrisa constante en el público, que se identifica y disfruta del espectáculo.

Roberta De Biase (Chuchuni), especial para "Los Restos del Naufragio"

Audio de nuestra emisión - Viernes 18/7

Ficha técnica:

Dramaturgia y Dirección General: Hernán Morán; Interpretes: Mónica Miravete, Mariano Sayavedra y Virginia Garófalo; Asistencia de Dirección: Lía Bagnoli, Diseño de Iluminación: Javier Casielles; Diseño Sonoro: Gabriel Lecup Escenografía y Vestuario: Hernán Morán y Valeria Casielles, Realización de Escenografía y Vestuario: Agustín Garbelloto y Cecilia Zuvialde; Producción Ejecutiva: Valeria Casielles; Prensa: Silvina Pizarro.

Sábados a las 21 hs.En el Abasto Social Club, Humahuaca 3649. Tel. – Reservas: 4862-7205

Siempreviva, la obra de Fabián Bril y Marta Delavalle, representada en la sala Silencio de Negras.

2008-07-15T08:00:00.000-07:00

El crimen por la eternidad

Mediante un juego intertextual con la Condesa Sangrienta, un clásico de Alejandra Pizarnik, los directores han logrado producir un texto espectacular autónomo, exhaustivo y potente.

“Si el acto sexual implica una suerte de muerte,
Erzébet Báthory necesitaba de la muerte visible, elemental, grosera,
para poder morir de esa muerte figurada que viene a ser el orgasmo.”
Alejandra Pizarnik, LA CONDESA SANGRIENTA

Durante los últimos años , la escritura de Alejandra Pizarnik ha sido abordada por numerosos artistas con el objeto de llevarla a escena, no sólo su único texto desarrollado para las tablas –Los perturbados entre lilas-, también, producciones textuales fundadas en su trabajo poético.

Bril y Delavalle revelan una profunda intuición sobre la obra de Pizarnik, ostentada en los atributos de la representación que han llevado a cabo –ambos en el texto, el primero en la dirección general-, y por la precisa elección entre el extenso trabajo de la poeta.

Siempreviva se inserta en una compleja relación paradigmática donde el autor y la referencia se desvanecen, detrás del origen perdido de la escritura. Alejandra Pizarnik elaboró su artículo “La condesa sangrienta”, en base a una lectura crítica de “La Comtesse Sanglante” , perteneciente a la escritora francesa, Valentine Penrose, quien llevó a cabo una biografía ficcional acerca de Erzsébet Bathory –la condesa húngara, conocida por sus crímenes durante la Edad Media-, a partir de investigaciones y documentación histórica. De esta manera vemos como se ha desencadenado un juego laberíntico de escrituras y reescrituras, una espesa maraña de vinculaciones intertextuales que enriquecen e interpelan al lector/espectador.

La referencia primigenia ha estallado en mil pedazos, producto de una cadena de copias y simulacros que obturan la denotación. En este juego descripto se sitúa el espectáculo: Bril y Delavalle han tomado la posta , continuando con la dinámica, esta vez, proponiendo otro texto –espectacular, teatral- en el devenir fragmentario del reflejo.

El mundo de la historia acontece en la década del ‘50, Argentina, un hombre falleció y lo velan en su casa. La acción transcurre en las habitaciones contiguas a la sala del difunto; allí, el espectador es un testigo privilegiado desde el momento en que ingresa a la casa–teatro: es que se ha pensado en él desde la génesis de la puesta, y por ello está implicado en medio del trabajo de los actores. La porosidad de la relación teatral –espectador/actor– es más evidente durante la espera de los asistentes que, poco a poco, otean el sitio y se encuentran con la representación en pleno funcionamiento. Una mucama sirve vino, las coronas con inscripciones alusivas inundan los rincones, las lloronas atraviesan la habitación, hemos sido constituidos como espectadores. Al cabo de un rato, se reestablecerá el orden del dispositivo: un tercero organizará el ingreso al espacio, ya conservador, con las gradas listas para ser ocupadas.

Livia , la viuda y dama de la casa, vive con incuria la pérdida de su marido, sólo la preocupa un objetivo: la suspensión del devenir, la concomitante obliteración de la corrupción corporal. Pretende vivir a través de los tiempos, perpetuamente joven, motivo que la compele a buscar el brebaje entre los cuerpos de las jóvenes. La gobernanta de la casa , íntima compañera de la señora, suscita tremebundos actos de tortura y martirio, sosteniendo prácticas de hechicería en pos de métodos más lenitivos. Pareciera que la acción se suspende en el tiempo, abriéndose a un presente genérico, predicando continuamente sobre la recóndita relación de las dos mujeres.

El espacio empleado para este espectáculo reluce entre los materiales sígnicos, más allá del carácter significativo que adquiere en la institución de la diégesis, funciona como un terreno propicio para la generación de diversos planos sonoros: los pasos de los actores, la acústica de las voces, los golpes que anuncian una nueva llegada.
El irreprensible trabajo de los actores evidencia un lazo destacable que se materializa en los movimientos, las miradas, la sincronización de los cuerpos, los cuadros expresivos que construyen en el plano de la escena.

La intertextualidad, según Jonathan Culler, surge como producto de la lectura, al ubicar un texto dentro de un espacio discursivo en el que se relaciona con varios códigos formados en el mismo acto. Precisamente de este vínculo proteico , los autores han emanado una representación que, con virtuosos elementos, adquiere una fortaleza dramática imponente, desplegada durante todo el relato, hasta descollar en el clímax, estableciendo un crescendo equilibrado.

Conrado Beretta, especial para “Los Restos del Naufragio”.

Audio de nuestra emisión - viernes 11/07

Ficha técnica:

Actúan: Cesar Elloy, Carla Vidal, Uegenio Tourn, Marta Haller, Ivana Cavallero y Pablo Giles.
Dirección General: Fabián Bril
Asistencia de dirección: Malena Gallegos
Producción artística: Marta Delavalle
Diseño de luces: Andrea Czarny
Diseño espacial: Cristina González
Vestuario: Carolina Ferraiulo
Diseño de arte: Royal Moyerno
Prensa: Simkin – Franco
Autores : Fabián Bril y Marta Delavalle
Sala: Silencio de Negras: Luis Sáenz Peña 663
Reservas: 4381-1445
Importante: Sólo con reserva previa

Extracto de la emisión - viernes 11/7

2008-07-12T18:32:00.000-07:00

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Sobre la Obra "Corbatas Chinas"

2008-07-09T14:02:00.000-07:00

“¿Vamos al Teatro? Acá en el barrio.”

Imposible, o dificultoso escapar a la ubicación donde se producirá el hecho teatral. Teatro IFT, viernes de invierno en Buenos Aires, entrar a un lugar donde se nota que ha habido mucho teatro, mucha historia de lucha teatral, de teatro hecho sin olvidarse de la premisa fundamental que le da sentido. La (re)presentación por sobre todas las cosas de pasiones humanas.

Esas pasiones humanas que Alfredo Megna, describe con precisión en el texto de sus “Corbatas chinas”, con los colores fuertes de una iluminación precisa. De un vestuario acorde y actuaciones convincentes en una peluquería de barrio, con rupturas temporales creíbles, digeribles para el/la espectador/a.

Lograda puesta en drama de un amor clandestino e irrefrenable, destinado a la tragedia. ¡Por una paloma!
Paradoja marcada en los movimientos simétricos de l@s protagonistas en escena, las interrupciones o silencios remarcando el papel del/la espectador/a, ocupando el espacio en una producción de sentido que, en relación con la impronta dramática profundiza el sentido, resalta el sino trágico que vendrá. La música en coro griego, una iluminación afectada y precisa le dan la pátina trágica del drama.
El drama de dos amantes, de “ser y no ser” como acertadamente prenuncia un personaje, en un barrio de Buenos Aires, muertos en su pasión, muertos por ella y por una paloma.

Audio de nuestra emisión - Viernes 4/7
boomp3.com

Ficha técnico artística

Actúan: Néstor Navarría, Pamela Marmissolle , Gabriel Dopchiz, Enrique Porcellana .
Diseño Escenográfico: Daniel Prieta
Diseño de Iluminación: Jorge Merzari
Música Original: Cristian Puz
Operador de Luces: Mariano Tosi Gagnoulet
Asistente de Dirección: Alejandra Egido
Dirección General: Leonardo Odierna
Autor: Armando Saire.
Autor: Alfredo Megna

Sala: Teatro IFT - Boulogne Sur Mer 5494962-9420 / 4961-9562 www.teatroift.org.ar/

2008-07-06T16:24:00.000-07:00

Un abordaje sobre "El Rufián" , el clásico de Daniel Tinayre.

La puesta en escena, un sentido posible.

El autor nos brinda una posible entrada al film , desde la puesta en escena.

Círculos, triángulos, teléfonos

Los desafíos que, como espectadores enfrentamos ante un film, adquieren múltiples senderos que se bifurcan en la puja por la constitución del sentido. En El Rufián, una aproximación proteica puede esbozarse en torno al funcionamiento narrativo de la puesta en escena. Frente a la fuerte codificación que propone y que estructura una determinada lectura, resulta interesante esbozar espacios que nos permitan acercarse al texto desde puentes que podamos hacer visibles, intersticios abiertos entre las sombras preeminentes. Vale decir que la película claramente responde a las pautas del género Negro Norteamericano y que también son reconocibles rasgos de impureza y contaminación con otro modelo genérico lindante, nos referimos al Melodrama. Cabe pensar que el universo de acción se bosqueja precisamente en esta zona límite de intersección entre ambos: un espacio diegético en el que prima la oscuridad y la penumbra, donde los protagonistas se hunden en el delito a partir de una relación cubierta de adulterio, perdiendo la inocencia en el debate entre el pathos y la razón. Posteriormente, el sufrimiento de una mujer que puja por el recuerdo y la memoria, hasta llegar al clímax, en el que un final con “justicia”se torna inminente para la enunciación y determina la muerte de aquellos que han transgredido “la moral, las buenas costumbres” y los límites de una vida rígidamente establecida cuyas marcas sociales emblemáticas configuran un destino que no debe mudarse.

Luego de los créditos, nos encontramos con una inscripción en la pantalla que pertenece al Eclesiástico, “Aquel que cava su fosa, en ella caerá”. La pregnancia sémica que esta cita posee y que pone en juego a escala paradigmática sobre la película puede ser una de las claves para delinear un posible marco en el cuál trazar un camino. Si nos dirigimos al texto bíblico, descubriremos que el proverbio se encuentra escindido y permutado, en el original se lee: “El que cava una fosa, caerá en ella y el que tiende una red quedará enredado”. Podríamos decir que, a modo de clave en cifra bajo esta omisión, el relato monta su curso y el mundo que narra sobre la idea moral de la red en la que cae aquel que transita en el pecado. Uno de los temas que redunda en el film noir1 es el de “la tela de araña” que, tejida por la mujer sobre el entorno del protagonista masculino, lo conducirá hacia el territorio pérfido del crimen, la perdición y la muerte. Tinayre, quién desarrolló su trabajo cinematográfico bajo la estructura del sistema de estudios, no escapó en este caso a la impronta misógina y sentenciosa que caracteriza al género. El recurso narrativo psicoanalítico fundado en el desdoblamiento del personaje femenino mediante la pérdida de la memoria, permite reconocer otra característica del maniqueísmo clásico que el director respetaba a rajatabla, aunando el par mujer mala – mujer buena en una y vertebrando la contaminación intergenérica mencionada a partir de ella.2

El enredo bajo una suerte de oscuro destino desatado en el momento en que los protagonistas deciden atravesar el límite impuesto de la norma ante las fuerzas sombrías del deseo. Una mala mujer como afirma Florelle y un crimen escasamente fortuito bastarán para que un hombre comience su vil transformación. La puesta en escena trabaja construyendo un mundo en el que esa red se explicitará simbólicamente, evidenciando el universo cerrado que los personajes han constituido y del que no podrán escapar.

Ingresamos al texto invitados por un emblema del narrador, un fotógrafo, mediante un travelling asoma ante nuestra mirada un mundo en el que proliferan los juegos con trayectos circulares, el parque con su vuelta al mundo, tren elevador, ruedas giratorias, maraña de luces y movimiento. Vemos planos generales de situación donde abunda el motivo visual de la circularidad que se reitera a lo largo de la película. En el interior del sitio donde trabaja Florelle, la bola de cristal iluminada en la que observa extasiada los hechos en el tiempo, es otro elemento del atrezzo muy importante por su funcionalidad dramática, puesto que además de responder a la forma mencionada, es en ella donde se inscribirá el enigma que da origen al relato: recordemos que la Madame ve un hombre que viene a matarla, a hacer justicia. Las paredes interiores de la caseta están adornadas con cartas gigantes que refuerzan su importancia en la relación de Isabel/Florelle y el Dr. De Marco; al tiempo que, junto con las siluetas de las manos también presentes, establecen una hipérbole sobre la fuerte impronta fantástica y misteriosa de esta mujer. Como ejemplos pueden mencionarse las bolas que giran sin parar delante de cada barraca, las lámparas presentes en la casa de Florelle, la Mansión Danielli y la oficina de seguros, la pantalla iluminada sobre la que trabaja el Dr. De Marco para hipnotizar a la mujer y la claraboya con dibujo entramado que se ve en cuadro cuando Isabel mira hacia arriba luego de haber cotejado que la puerta está atada con alambre.

El espacio claustrofóbico se va armando tambièn por la preeminencia de las escenas nocturnas, los contrastes, el encuadre y la destacada profundidad de campo, en una propuesta que rige todo el film y que va desde el guión hasta las decisiones en el montaje, atravesando las instancias de producción. Los personajes se encuentran encerrados en los vínculos interpersonales que mantienen y en la vida que soportan a través de ellos. Madame Florelle vive acosada y explotada, presa en el recuerdo nubloso que la atosiga; mientras que en su vida anterior, Isabel, padecía lo suyo bajo un matrimonio plagado de discusiones e insatisfacción. Héctor observa el mundo y traba seducciones dentro del auto, vehículo cómplice que servirá para cubrir el delito.. Todos se mueven en espacios cercados que el relato se encarga de caracterizar de manera palmaria: el rodado, la gran casa del Dr. Danielli, el parque de diversiones, la barraca de Madame Florelle y el edificio abandonado donde habita. Cabría pensar que el conflicto se establece cuando los personajes violan los espacios; primero ingresando en las habitaciones, luego Héctor cuando pretende alojarse en la casa y hacerse con parte de la fortuna adquirida por la mujer. Tan importante es la circunscripción del lugar que Isabel dirá al homicida cuando lo encuentra atendiendo un llamado: - ¿Qué está haciendo acá? Este no es su lugar, usted no es quien para atender el teléfono. – Aquí se acentuarán las esferas de acción sobre la apropiación del dinero, en un camino de codicia que terminará con el entramado policial y el acto de delación, despertando en nuestra memoria la huella de algunas excelsas traidoras como la Phyllis Diatrichson de “Perdición” o Susan Spencer en “Más allá de la duda”.

En esta expresión en la que el personaje condena la transgresión espacial, pareciera gozar de cierta autoconciencia del relato, pues ciertamente, también el teléfono, un objeto importante en el policial, cumple aquí una función destacada dentro del entramado y será subrayado mediante primeros planos, encuadres privilegiados y movimientos de cámara que lo acentúan. Llamadas de auxilio, avisos que amedrentan, traiciones en la noche que dibujan voces en medio de tanta oscuridad. Con la primera aparición en escena del aparato, a minutos de iniciada la película, la economía narrativa condensa la oscura y solitaria vida de Florelle que aterrada por las visiones premonitorias en su esfera de cristal, sale de su barraca e ingresa en una cabina para llamar a un hombre; la negativa de este y una vida familiar mostrada en profundidad de campo serán elementos suficientes para inferir que se encuentra sola, oprimida ante una situación que la aterroriza; y la única posibilidad de auxilio es un amante.

El teléfono, que ha plagado tantas escenas al punto de permitir un espeso recorrido lúdico por la historia del cine, comienza a delinear una progresión de llamados que se suceden.
Ya en el flashback, al que nos introducimos mediante la narración falsamente delegada en Héctor, una llamada telefónica será suficiente para destacar la importancia de Mauricio en la vida del Dr. Danielli y la evidencia de un triángulo afectivo.. Como dijimos, el hombre toma conocimiento del dinero cuando el agente de seguros pretende devolver el guante que Isabel olvidó en una acción más que accidental. Cuando el rufián se desata y exige su monto, se inicia un ida y vuelta telefónico entre la mujer y el detective que acabará con la “doble” caída en la cárcel y en el olvido, respectivamente. Los llamados suceden de manera creciente multiplicándose hasta el final en el que adquirieren una importancia distinguida como motor del desenlace. Héctor logrará ingresar al recinto de Florelle gracias a un artilugio con el aparato y la colaboración del peón que trabaja en el taller aledaño.
Luego, una nueva llamada posterior al autorreconocimiento de Isabel, da aviso al Dr. De Marco y desata la ira asesina de Héctor que corta el cable para dar fin a las comunicaciones.
Cuando De Marco llegue será ya muy tarde y el triángulo amoroso quedará sepultado con la muerte de los protagonistas.

La escalera es otro elemento radiante por su espesor semàntico y porque permitirá la clausura del relato con la justicia poética incluida, aparte de ser la locación propicia para trabajar con el encierro narrativamente necesario y la extensión del espacio para dilatar las resoluciones y dosificar la acción; tanto la escena del tránsito de Héctor a la habitación de Isabel como en la llegada del Dr. Danielli a la casa cuando hallará a la pareja en falta y, sobre todo, en la desplegada persecución de la secuencia final que clausura el relato. La dinámica de los planos y la manera en que trabaja el montaje sobre ésta, refuerzan la imagen de circularidad y reclusión mencionada que llegará al paroxismo cuando la cámara nos muestre en detalle el cable metálico que halla Héctor y que emplea para cerrar la puerta de ingreso, sentando el carácter privado de la relación que une a los protagonistas e impidiendo el acceso de cualquier ayuda para Florelle/Isabel.3 El narrador omnipotente se encarga de conducir explícitamente al espectador, destacando varios elementos importantes en el relato, como los cierres de escena en plano detalle del guante en la oficina de seguros, el retrato y Florelle antes del reconocimiento a partir del anillo y la evidenciación de la mirada imposible en falsa cámara objetiva cada vez que Isabel manipula el dinero dentro de la caja fuerte.

Tal como lo apuntamos, otra característica que se repite es la presencia de terceros en las relaciones; puntos en la narración que unidos en la lectura determinan una grafía redundante, el triángulo. Al igual que el círculo como forma alegórica recurrente, configura relaciones constreñidas y agobiantes4. El vínculo entrañable entre Mauricio y el Dr. Danielli inicia la figura al tiempo que potencia y prepara una red de lazos triádicos dónde Isabel será el vértice constante que se proyecta en múltiples direcciones combinables con los demás personajes. La conformación geométrica irá variando en una marcha caracterizada por el carácter sensual y atractivo de la mujer.5 La mucama, Berta, Nino, el inspector, el Dr. De Marco y Héctor, estos últimos permanecerán inamovibles hasta el final, reduplicando la polaridad maniquea.
Ella “ ha realizado un pacto con el diablo”, tal como puede leerse en el lateral exterior de la barraca donde se sitúa la adivina Florelle; inscripción metalingüística tan fuerte del decorado que no puede dejar de relacionarse paradigmáticamente con la cita, el género y en definitiva con todo el texto fílmico permitiéndonos enunciar, a modo de síntesis, el título donde se halla el proverbio: “En el pecado, el castigo”.

1 Esta denominación corresponde al término que empleó la crítica francesa frente a los films norteamericanos de la década de 1940. El género tiene sus orígenes en la obra de Edgar Allan Poe y en el relato de enigma británico que configuró el policial clásico. En Estados Unidos, se produjo una apropiación y mutación de este verosímil narrativo, modificando la racionalidad lógica inglesa por un mundo donde los márgenes de la ley se disgregan y los personajes oscilan sobre los bordes de la legalidad en un mundo de violencia y corrupción. Por lo demás,es harto conocido la importancia de plumas como las de Raymond Chandler, Chase,Spillane, Brewer; y trabajos cinematográficos realizados tanto por directores europeos en EUA como estadounidenses: Michel Curtiz, Billy Wilder, Otto Preminger, Jacques Tourner, Tay Garnett, Orson Welles, etc. En los textos teóricos sobre literatura y cine, y en los diccionarios cinematográficos, podemos encontrar los términos: Film noir; Romain noir americano; Dark film; Cine policial negro; Cine negro, etc.
2 Abel Posadas en su recorrido por las películas de Tinayre, apuntó las dos clases de mujeres del universo tinayriano precisamente mencionando una invariante donde se destaca la figura de la mujer araña y su antagonista positiva. Revista Film, Buenos Aires, año II, agosto – septiembre 1994, p.54 y ss.
3 Adviértase la similitud fonética de ambos nombres que explícitamente denotan la existencia de una misma mujer.
4 La presencia de relaciones amorosas triangulares es una marca propia del negro que se encuentra en varias películas del género. Triángulos de odio, celos, deseo y hasta implícitos vínculos homosexuales que burlaban al Código de Producción.
5 Cabe destacar la elección de Egle Martin en el papel de la protagonista, una vedette de carrera quién había alcanzado cierta fama hacia finales de la década de 1950. Tinayre había ofrecido antes el trabajo a varias mujeres, entre ellas, Isabel Sarli.
Si bien es cierto que al personaje de Isabel le falta agresividad y destrucción para calificarla de femme fatale tal como se ha configurado en el verosímil del género, también ha de mencionarse el trabajo a través del vestuario y el encuadre para remarcar la atracción y la mirada que despierta en los hombres, capaz de convencer a un inspector de policía. Nótese la firma que llevan los trajes en los credits así como la cantidad de sombreros con los que se la muestra.

Conrado Beretta

Texto extraído de "El libro que no fue"

Ficha:

Título original: El rufián (1961)

País: Argentina

Guión: Enrique Albritt

Actores: Carlos Estrada, Eagle Martin, Oscar Rovito

Dirección: Daniel Tinayre

Film - blanco y negro - 120' - español

Apta mayores de 18 años

Lectura sobre la obra :"Pasionaria"

2008-07-04T20:44:00.000-07:00

El retrato de una mujer rota

“I love you es: si no estás me muero”

Ella parece desaparecer, indistinguirse, envuelta, enredada. Yace sobre un sillón añejo.

A su alrededor irónicos peluches, como trozos del pasado, la interpelan.
Pasionaria es la imagen de un recuerdo o quizás la ineludible predestinación.
Esboza la fragilidad humana, la ironía de la existencia.
Hace reír, aun sin desearlo. Aun asumiendo su crueldad, el acto de la risa acontece, brota espontánea, para silenciarse a intervalos por el llanto.
Es la historia de un quiebre. En escena, una “mujer rota”.
El delivery llama a la puerta. Espera en el placard. Es un muchacho enamorado.
Amor nos dice “es oír la lluvia caer en el techo de chapa que tendremos, calentarnos las manos con las hornallas de la cocina”.
La mira, le canta, pelea con el fantasma que aparece en el teléfono que suena.
Ella atiende. Es el hombre que ha perdido y sin el cual ya no es. La identidad sujeta a la mirada del “otro” peligra descomponerse. Fantasma devenido en sonido relampagueante, en llamada incorpórea.
“I love you es: si no estás no existo”.
La mujer se confunde en un acto mimético con el entorno. Lo mismo da que sea una persona o uno de los tantos muñecos que ella, casi en un acto de fetichismo, se niega a abandonar.
El muchacho del delivery abre la exploración a lo grotesco, al estereotipo, más esconde tras de sí, un deseo auténtico, el de amar y ser amado. Ella, epifanía de la soledad que la atormenta, sucumbe ante la posibilidad de la llamada. No puede siquiera girar su mirada hacia el joven muchacho que la acompaña.
Él la espera. Se esconde en el placard del que ha salido tiempo antes.
Pasionaria invita a transgredir los límites. A confundir tragedia y comedia o a asumir su inexorable parentesco. Invita a sentir lo que ella explora. A enredarse, entorpecerse, asumir el absurdo en el que vivimos y a dejarnos convencer, que el amor es quizás una de las cosas mas misteriosas de la vida.

Cintia Mariscal, para los Restos del Naufragio

Ficha técnica:

Dramaturgia y dirección: Lucía Moller
Actores: Flor Dyszel y Anibal Gulluni
Dirección de arte: Sol de San Bruno
Iluminación: Peter Zanahoria
Sonido: Nicolás Méndez
Asistencia de escenario: Ailín Veraldi
Asistencia de dirección: Mónica Peixao

Prensa: TE HAGO LA PRENSA
La obra constituye el proyecto espectacular de licenciatura en dirección escénica del departamento de artes dramáticas del IUNA.
Todos los jueves a las 22 hs. Teatro Vera Vera.
Dirección: Vera 108, Reservas: 4854-3655

Una opción para los chicos

2008-07-04T12:10:00.000-07:00

Una posibilidad de acercar el teatro a los más chicos.

"La leyenda del rey Arturo"

La obra se presenta en la Sala Carlos Carella, Bartolomé mitre 970, con la participación de Rubén Stella y la dirección de Cristian Vélez.

Me arriesgo a decir que no debe haber nada más difícil que el público infantil, no sólo por la propensión que tienen a dispersarse, sino más bien por esa honestidad brutal o licencia etaria que les permite patalear cuando algo no les gusta. Pareciera que la pregunta del millón es qué contar sin caer en historias susanicientas, en un dinosaurio fucsia de dudosa inteligencia, o cómo montar una puesta a sabiendas de que un niño no es precisamente un enano con capacidades diferentes. El resultado de elucubrar estas preguntas es siempre un producto que disfrutan los chicos y los adultos que empiezan a sufrir estoicamente el impass del ciclo lectivo.
En esa búsqueda de un discurso inteligente y apto todo público, es donde se torna difícil ver la puesta de La Leyenda… y no recordar La Banda de la Risa, con sus transposiciones o reescrituras de los llamados clásicos –Goethe, Shakespeare, Perrault-. Tanto la puesta que nos ocupa como las que suele realizar La banda..., tienen en común, además, ese menjunje de distintos recursos provenientes del Clown, la comedia musical y el teatro de títeres, haciendo hincapié en el vestuario, el maquillaje y la escenografía.
Producida por La Pared Invisible – grupo teatral que continúa la corriente estética de Ariel Bufano-, La Leyenda del Rey Arturo propone una puesta en escena que rompe el estilo de teatro convencional y la utilización tradicional de la caja italiana, logrando que los espectadores se encuentren inmersos en la historia desde el principio de la obra. La música, creada para la ocasión, no tiene el mismo mérito. Lejos de convertirse en un ofrecimiento lúdico o innovador, las melodías y las letras son bastantes pobres y anodinas, y las escenas musicales no logran amalgamar lo que se oye con unos personajes que se quedan parados, haciendo playback y mirando el horizonte.
A pesar de esto, vale la pena ver una propuesta artística que apuesta a la inteligencia del receptor y que logra el milagro de mantener sentados y en relativa calma -por lo menos por un rato- a ese grupete de imberbes inadaptados que, de otra manera, en estos tiempos invernales que nos tocan vivir, estarían pululando por la ciudad.

L. Vázquez para “Los Restos del Naufragio”

Ficha Técnica

Dramaturgia y Dirección General: Cristian Vélez
Escenografía y Realización de Títeres: José Oscar Andrukowicz
Vestuario y Maquillaje: Julieta Samamé
Iluminación y Sonido: Fermín González
Intérpretes: Rubén Stella, Ana González, Juan Pablo Panebianco, Mariano Akian, Ricardo Pelliza, Lautaro Heredia, Lucía Stella

Dirección: Cristian Vélez

Sala: Carlos Carella - Bartolomé Mitre 957

Obra: "Noche de perros"

2008-07-04T09:58:00.000-07:00

Nuestra lectura de “Noche de Perros” , obra teatral que se representa en el C.C.C.

“El costo de la

aventura”

“Noche de perros”, un texto que propone su juego dramático en el marco de algunos elementos propios del thriller, consigue custodiar la atención del espectador , conduciéndolo por la desdicha cotidiana de los protagonistas.

Un encuentro sexual entre los personajes funciona como disparador de la acción dentro del juego dramático propuesto en la obra. Clara y Pedro han experimentado una relación , por cierto, ocasional y azarosa , un vínculo que los ha marcado a fuego y cuya huella determinará el curso futuro de sus vidas. Resulta sugestivo y destacable que , como táctica, tal relación sea evocada por el discurso de los actores , es decir , que haya acontecido en un pasado extra- escénico, elemento que abre un cúmulo de imágenes pasibles de ser producidas por la faena activa de aquél que mira. Precisamente el hecho que provocará la búsqueda y la demanda de Clara no ha sido visto , no se representa de manera icónica sino que se despliega una batería simbólica e indicial que lo evoca.
La iluminación precisa que invade la escena , demarca un límite distante y emana imágenes con una fragancia onírica inundadas por una potencia estética de relevancia, resaltando el clima espeso y enrarecido del ambiente , la escenografía y las relaciones interpersonales.
El cabal trabajo interpretativo de los actores , Karina Buzeki y Roberto Ponce, coincide de modo afinado con el afable equilibrio que Julio Ordano y su equipo , han moteado en el escenario.

Carolina Larrauburu, Especial para Los Restos del Naufragio.

Ficha técnica

Intérpretes: Karina Buzeki, Roberto Ponce

Fotografía: Michel Marcu

Música original: Sergio Vainikoff

Escenografía y vestuario: Luciana Gonzalez

Asistente de vestuario: Cecilia Estefanía Lanza

Asistentes de escenografía: María Victoria Questa - María Lucía Vega

Asistentes de dirección: Mercedes Orlandi - Marina Balbi.
Prensa : Duche y Zárate

Dirección General : Julio Ordano

Lectura de la obra: "Un hombre torcido"

2008-06-29T13:40:00.000-07:00

La memoria que no cesa.

(Al Profesor Claudio España, con mi contradictoria admiración.)

¿Cuándo cesa el dolor espiritual? ¿Cuándo se detiene el acicate

permanente de los recuerdos?

¿El Bien? ¿El Mal? ¿Qué son estos conceptos ante la matanza

indiscriminada, la Muerte de millones? Millones, miles, la estadística. El número genera una naturalización. Una docena de huevos, un paquete de cigarrillos de veinte, cincuenta y cinco niños mueren diariamente –sólo aquí, en Argentina- por causas perfectamente evitables en este siglo XXI (hambre, desnutrición, enfermedades curables con la asistencia médica adecuada, entre otras “variables” también numéricas).

Un millón y medio de armeni@s asesinad@s por l@s turc@s en el –otra vez aparece la estadística con disfraz- “primer” genocidio del Siglo XX.
Una víctima de ese horror decide vengarse. Tomar la Ley en sus manos y matar a ese gobernador despótico y sarcástico que decidió el exterminio de 1.500.000 seres humanos.

Esa víctima, el ahora abuelo, ese Guerrero Héroe Armenio, encarnado por un notable Héctor Bidonde, sintetiza una pregunta que no tiene respuesta. Miles de años han pasado y pasarán y se seguirá en su búsqueda. ¿Es lícita la venganza? ¿Que nos diferencia del caníbal si nos lo comemos?

Acosado por su pasado, sin remordimientos, pero con un dolor interminable, el Hagopian, joven y el actual, nos muestran la cara del héroe trágico. El que no quiso serlo, pero sí la Moira que así fuera.

Carnaval de recuerdos de un hombre senil, que se niega a rendirse; su amada mujer que cantaba y cocinaba, el juicio en Alemania y ese nieto que es su posibilidad de expurgar todo o parte de su dolor, el llanto que no pudo expresar en toda su vida ante la irracionalidad de un odio racial que tuvo que padecer siendo niño; representados con solvencia. Con austeridad de objetos, con mesura, aprovechando el espacio teatral con sobriedad, a excepción de una escalera en el centro de la planta que obligará a un esfuerzo del/la espectador/a.

Un esfuerzo que vale la pena porque incita a ver más, a ver “todo el cuadro”, a esforzarnos por reflexionar más, a recuperar espacios –la memoria es uno de ellos-, a mostrarnos que el mundo que nos toca vivir no es tan simple, que debemos mirar más, pensar más y que, en definitiva, la memoria está siempre con nosotros, escondida en un objeto o en lo profundo de nosotr@s mism@s.

Rainer G.

Audio de nuestra Lectura - Emisión del sábado 28/06
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Ficha Técnica

Autor: Richard Kalinoski

Traducción Ingrid Pelicori

Intérpretes: Héctor Bidonde, Alejandra Rubio, Martin Slipak y Fernando Sureda

Escenografía y vestuario: Alberto Bellati

Luces: Alicia Vera

Diseño sonoro: Miguel Rur

Asistencia de dirección: Guido Grispo

Prensa : Silvina Pizarro

Producción Ejecutiva: Pablo Silva

Dirección General: Manuel Iedvabni

Pornodrama II : un esquimal

2008-06-25T16:14:00.000-07:00

“La exactitud del voyeurismo en escena”

Pornodrama II : un esquimal , una significativa reflexión compleja acerca de la imagen pornográfica que habita nuestra cotidianeidad.

[L]a obscenidad quema y consume su objeto. Visto muy de cerca, se ve lo que no se había visto nunca —su sexo, usted no lo ha visto nunca funcionar, ni tan de cerca, ni tampoco en general, afortunadamente para usted. Todo eso es demasiado real, demasiado cercano para ser verdad. Y eso es lo fascinante, el exceso de realidad, la hiperrealidad de la cosa. El único fantasma en juego en el porno, si es que hay uno, no es el del sexo, sino el de lo real, y su absorción en otra cosa distinta de lo real, lo hiperreal.
Baudrillard, J, en: De la seducción.

La discrepancia entre pornografía y erotismo aparece develada en la segunda entrega de la trilogía dispuesta por Alejandro Casavalle – reconocido gestor cultural y director teatral -, Pornodrama II - Un Esquimal.
Cuatro personajes desarrollan un complejo enredo en el que se hallan absorbidos por las particulares relaciones inter-personales que establecen a través del sexo como ligazón primordial. El pasado que los une determinará un desenlace esperado en el marco del progreso de las acciones, y el desarrollo que despliega el relato.
El espacio escénico donde la representación se lleva a cabo ha sido cabalmente dispuesto en función del dispositivo escópico que la obra propone: unos sillones blancos organizados en perspectiva demarcan la profundidad del espacio y actúan como marco del objeto exclusivo: la pantalla.
Baudrillard dice, refiriéndose a la imagen publicitaria, que el cuerpo es fetichizado a través de un proceso de erotización donde se fija en él todo aquello que se halla por fuera del falo; precisamente, la sexualidad se reduce, en un ejercicio económico de la libido, al fetichismo, gracias a que el cuerpo ha sido atrapado por una relación donde el deseo coincide con un objeto ubicado en la exigencia erótica. El cuerpo fetichizado produce una gran atracción, además de ser contemplado, tal como lo desarrollara Freud en Introducción al narcisismo. El fetiche se instituye en un objeto de la mirada, mediante un proceso de fijación del deseo que posibilita rehusar la castración.
Así como la imagen publicitaria centra su elección del objeto erótico en signos que estimulan la actividad sexual – John Berger, Baudrillard, y otros autores han trabajado in extenso sobre el tema - , la imagen pornográfica ubica la elección en la genitalización – en zonas erógenas específicas y pregnantes como: los senos, el pene, la vagina, la boca, etc.
La imagen pornográfica posibilita una fuerte relación entre el cuerpo de la representación – un signo al fin – y el espectador que mira, de manera que el sexo queda reducido a las zonas erógenas y el placer, a la contemplación fetichista. Como establece Baudrillard, la imagen se sobre-significa convirtiéndose en un fetiche, haciendo que “todo” se agote en el realismo del cuerpo-signo, es decir, lo porno absorbe toda la “potencia” sígnica al exponer el cuerpo desnudo. La contemplación del voyeur se satisface en la simulación porno porque encuentra allí una saturación sexual que lo excita. Precisamente, esta saturación es la que acerca la experiencia a la hiperrealidad, construida en parte, por el privilegio que se le otorga a la mirada del espectador: los permisos y extensiones entregados a él para su ¿pleno? placer.
En un texto del crítico e historiador Román Gubern, La imagen pornográfica y otras perversiones ópticas – donde trabaja los estereotipos y las imágenes pornográficas en el cine -, pueden encontrarse también algunos elementos para la lectura de Pornodrama II. Lo porno se retoza con el “deseo de ver”, y el espectador encuentra un lugar privilegiado en ese sitio que la cámara le proporciona: zooms, primeros planos, encuadres perfectos, planos detalles, son la oportunidad de escarbar entre los cuerpos con la mirada expandida que el propio dispositivo cinematográfico permite, mediante la selectividad del encuadre y el montaje, el texto se propone mostrarlo todo y un poco más. La pornografía se centra en la genitalización porque intenta ser una síntesis artificial del sexo y del erotismo, a través del artilugio del “perecerse a “, es decir, parece que la relación sexual estuviera ocurriendo en el momento, en un eterno presente, en la pantalla sólo ocurre lo que se percibe. Pero también hablamos de artificialidad en el sentido de que todo transcurre en un simulacro de la imagen, una representación de signos, en palabras de Baudrillard: “un voyeurismo de la exactitud”, radicado en la imagen y en el dispositivo cinematográfico, donde todo – y nada - es totalmente mostrado, donde la imagen es tan transparente que el erotismo y la profundidad de un acto íntimo – que hoy es casi revolucionario frente a la intangibilidad capitalista que se ha incrustado en los vínculos interpersonales, más allá de lo que “ellos” llaman “amor” - , quedan velados de modo inexcusable , por una exuberancia de lo transparente.
Como se dijo, la pantalla es fundamental en Pornodrama II: un esquimal, no solo como artificio de la representación, sino también, como objeto preponderante y principio constituyente del desafío que Alejandro Casavalle nos entrega para reflexionar acerca de la pornografía y el erotismo en nuestra contemporaneidad.

Conrado Beretta
Especial para “Los Restos del Naufragio”

Audio de la crítica - Emisión del programa - Sábado 21/06

Ficha Tecnica:
Actuan: Carolina Refusta, Pedro Di Salvia, Juan Pablo Carrasco y Lizzy Pane

Direccion: Alejandro Casavalle

Sobre propuesta de: Javier Magistris

Asistente Dir. escénica: Javier Dominguez

Asistente Dir. artística: Natalia Fried

Diseño y operación de video: Fernando Camozzi

Escenografía: Estudio DGM Realización escenográfica: Mariano Engel

Música original: Enzo Maqueira

Efectos escénicos: Carlos Casavalle y Pedro Di Salvia

Diseño de luces y Arte: Leticia Bobbioni

Vestuario: Andrés Manzur

Coaching grupal: Lic. Alberto Motkoski

Fotografía fija: Agustina Trincavelli

Diseño gráfico: Jimena Balañá

Producción ejecutiva: Cecilia Inés Petrilli y Rosalía Celentano para Tónicas

Prensa: Duche & Zarate

Lectura de "CINE" - Dir: Gonzalo Martínez

2008-06-21T19:56:00.000-07:00

Un “beau geste”

A propósito de Cine de Gonzalo Martínez.

Seis actores en busca de respuestas. ¿Por qué el cine atrapa más que el teatro? ¿Por qué l@s espectador@s pueden ver dos veces un film y no una obra de teatro?
¿Por qué el cine se ha colado tanto en la realidad cotidiana y el teatro no?

El enigma, las preguntas de un grupo de actrices y actores ante una ¿evidente? –permítaseme la digresión y no compartirlo- superioridad del Cine en este siglo XXI.

Una interpelación a la sensibilidad de l@s espectador@s. Descarnada y concreta. “Nos gusta el cine y somos actores de Teatro y no sabemos por qué la gente va al Cine más que al Teatro” podría resumir, si eso fuera posible, la motivación de estos “sei personaggi in cerca da…” ¿Una respuesta?
La obra, el Teatro siempre lo es. Con su poderosa presencia instantánea, sus lágrimas perceptibles ante la nouvelle vague, la experimentación espacial, de sentido y de lenguajes.
Secuencias de films teatralizadas, resignificadas en la potente presencia del espacio teatral. Depardieu corriendo a Ardant, desesperadamente por el espacio; toque shakespeariano de madre/actor al recordar el cine clásico de Hollywood que tanto nutrió a Fassbinder y a tantos europeos generando paradójicamente el cinema d’auteur.

Claro que –supongo- a tod@s nos gusta el Cine, pero Cine, es un homenaje y un reconocimiento a la vez.
Un homenaje a la Séptima Arte y un reconocimiento a la presencia del Teatro. Siempre presente, siempre tangible, casi respirable, como las lágrimas de inicio de un joven recordando a los maestros François Truffaut y Jean Luc Godard.

Ficha técnica

Actores: Maria Laura Santos, Jesús Villegas, Javier Samaniego García, Leandro Orellano, Cynthia Ferrero, Alfredo Staffolani

Vestuario . Virginia Gallo

Iluminación . Ricardo Sica

Asistente de dirección . Lizzy Argüelles

Dramaturgia y dirección . Gonzalo Martinez

Audio de nuestra Lectura - Emisión del Programa - Sábado 21/06

Rainer G.

Especial para "Los Restos del Naufragio"

La imágen ha sido tomada del blog de CINE y pertenece a la mirada de Olivier Ubertalli .

Es la democracia, estúpidos

2008-06-17T17:04:00.000-07:00

Por Mempo Giardinelli

La llamada “crisis del campo”, lejos de resolverse luego del último, mesurado discurso de la Presidenta, parece deslizarse por senderos peligrosos para la República.
Ya el país sabe que fue mentira el enfrentamiento entre dos “partes”. Hoy todos sabemos que “el campo” es, en realidad, un sector de empresarios rurales que protestan porque van a ganar menos de lo que tenían pensado. Y todos sabemos, también, que el Gobierno metió la pata, no la sacó a tiempo y sigue confundido.
Pero lo que no parece claro –y hay que evidenciar– es que lo que este conflicto puede estar esmerilando, y muy velozmente, es a la democracia misma.
No importa si la sociedad argentina se merece esto o no. Tampoco importa tanto tal o cual retención, o si el malo de la película es Néstor o es Cristina.
Acá y ahora el debate profundo es si llegamos al final de un ciclo de 25 años de democracia imperfecta y volvemos para atrás; o si mejoramos las instituciones de la Constitución Nacional para avanzar hacia una democracia más justa, eficiente y distributiva.
Hay gente humilde que repite consignas vacías porque creen creer lo que les dicen la radio, la tele y los grandes diarios. Hay los que fueron tocados en sus intereses y hay un fuerte resentimiento en otros cuya situación económica no lo justificaría. Y hay, incluso, personas con largas trayectorias progresistas en posiciones inesperadamente retrógradas.
Todos buena gente, acaso lanzados sin saberlo contra la democracia. A la que culpan de todo cuando dicen que “esto no es una democracia”. A partir de esa negación, avalan un insurreccionalismo suicida como el que ha instalado astutamente el PCR, montado a caballo de la ingenuidad política de muchos y del cretinismo de otros.
Esa confusión es gravísima, porque ignora o niega que una cosa es la democracia y otra son los malos gobiernos.
Uno puede tirar la bronca contra este o aquel gobierno, o contra todos, pero eso es criticar una gestión. Que se puede cambiar. Todo puede cambiarse dentro de la Constitución y la ley. Precisamente por eso la democracia nunca es culpable y, al contrario, es la mejor garantía de cambio.
Parece mentira tener que recordar que la democracia es la lenta construcción de convivencia que venimos haciendo desde el ’83 y que hoy nos permite mantener la serenidad, tolerando la mentira contumaz que fluye del dial y de la tele, hoy repertorio de lugares comunes, editorialización disfrazada de información y censura de las ideas diferentes.
Más allá de matices, intereses corporativos o razones económicas, lo que el sector rural está haciendo desde hace tres meses es minar las bases de esa convivencia. Acaso la mayoría de ellos no lo ve, o no lo quiere ver, pero es la democracia la que está siendo esmerilada. Por eso huelgan todas las comparaciones con piquetes y piqueteros anteriores.
Con el espejismo de un dizque “nuevo federalismo” claramente anticonstitucional, y con la renovada demonización del “Estado” que para ellos encarna el matrimonio K, enormes porciones de las clases medias y altas se tragaron la masita envenenada de “campo versus Gobierno” y con eso revivieron lo peor de la Argentina: la polarización de posiciones. La vida nacional en blanco y negro.
Algunas entidades de elite, los pools sojeros, el capital más concentrado de la agroganadería, incluso sectores protegidos dentro del mismo Gobierno K, junto a prácticas periodísticas abyectas, están carcomiendo la democracia.
Generan desaliento, liman la confianza en las instituciones, instalan la idea de caos, descontrol y “desgobierno”. Todo eso que antaño precedía a los golpes militares.
En entusiasta coro anuncian que se acabó el crecimiento; que la inflación nos fagocita; que la economía se desmorona; que las encuestas “muestran” el desprecio popular hacia los K y así siguiendo.
Incluso proclaman un desabastecimiento que ha de estar sólo en Buenos Aires –es hora de que se enteren– porque aquí en el Chaco, mientras escribo esta nota, no hay desabastecimiento de nada. Supermercados, carnicerías, verdulerías, almacenes y ferias de barrio están como siempre. La semana pasada vi lo mismo en Santiago del Estero y en Tucumán, Córdoba y Rafaela. Y anoche en Corrientes. Debemos ser marcianos entre góndolas llenas.
Tal como hicieron todos los golpes de Estado, operan sobre las clases medias. Atemorizan, amenazan, golpean. Así es como golpean. Confundiendo, golpean. Gritando como el desaforado señor De Angeli. Y mezclándolo todo: resucitados chinoístas con caceroleros de Barrio Norte; insurreccionalistas atrasados un siglo junto a la vieja oligarquía terrateniente; paisanos con gente paqueta de Barrio Norte; la correntina Pando con represores retirados de Recoleta. Todos exaltados y con escarapela.
Y con ellos, muchos chacareros verdadera y sinceramente afectados, pero con el libreto escrito por discípulos de Neustadt y Grondona.
Biblia y calefón, mondongo con dulce de leche, lo que se oculta es la soja transgénica que en casi todo el mundo se prohíbe pero aquí protegen todos, incluso el Gobierno. Y que arruina la tierra porque glifosato mata humus, y con eso no hay tutía. En Europa no se permite ni un metro cuadrado de transgénicos (salvo experimentales) y Francia acaba de cerrar incluso la importación. Pero de eso acá ni se habla y por eso es imperativo desnudar las tramas mentirosas que hoy difunden incluso los más inteligentes colegas, devenidos verdaderos dirigentes opositores.
En cuanto al Gobierno –al que voté y sin embargo cuestiono cada vez más por su torpeza y poca transparencia– se trata de defender la terminación de su mandato en 2011, para que sea sustituido, si ésa es su voluntad, por los votos del soberano. Y federalismo sí, claro, pero no más con “puebladas” inducidas.
Por eso es también un peligro que el Gobierno no reaccione. Su propia incongruencia le extravía el buen juicio y por eso no sabe ofrecerle a la sociedad una rápida salida a la emergencia; ni propone una reforma agraria surgida de un sano debate nacional como el que debe hacerse sobre retenciones, radio y televisión y derecho a la información. Por eso está el Congreso semicongelado; por eso mienten estúpidamente el índice inflacionario; y por eso junto a ministros y funcionarios que son de lujo se apuntalan otros que debieran ser corridos, por corruptos o por ineptos.
Lo peor de la Argentina ha vuelto. Junto a genuinos y heroicos chacareros, y desplazado ya el campesinado más pobre, los monstruos del pasado operan travestidos (con perdón de los travestis) en ruidoso montón.
Sólo que como esta vez se topan con una sociedad que hizo culto de la memoria, veremos quién gana. Porque en esto sí hay dos sectores: los demócratas y los “destituyentes”, como se dice ahora, conscientes o no.

Diario Página 12 - jueves, 12 de junio de 2008

Ciudad Oscura - Pinturas

2008-06-12T16:57:00.000-07:00

Les recomendamos la siguiente muestra de los artistas plásticos : Alfonso Piantini e Ignacio Sosa.

CIUDAD OSCURA
Muestra de pinturas de Ignacio Sosa y Alfonso Piantini

Inauguración 11 de junio 19.00 hs

Cierre: 18 de julio

Galería Masotta-Torres

México 459 - San Telmo – Buenos Aires.

Lunes a Viernes de 14 a 20 hs.

Sábados 16 a 20 hs.

Más información en http://www.masottatorres.com.ar/

About the campo

2008-06-11T17:06:00.000-07:00

Única conexión: la soledad.

Acerca de “About the campo”, la obra del joven director y dramaturgo, Alfredo Staffolani.

Conexión: En lenguaje aéreo, un puente hacia un destino.
About the campo nos relata la historia de una azafata en soledad, encontrando refugio en el pasado.

Un pasado de campo californiano con reverberancia actual, el pasado del spaghetti western que conecta a la juventud farmer de Martha con su presente abandónico.

Pasado de descubrir nuevas experiencias durante la juventud del "verano del amor" en los años sesenta; pasado de alegría, presente de añoranza.

Acierto de la dramaturgia, la búsqueda de puentes entre el pasado y el presente, elección adecuada de lenguajes -en especial el sonoro- para marcar, para evocar esta unión siempre dolorosa y siempre transitada, siempre latente.

Actuaciones convincentes, búsqueda teatral, reflexión cotidiana, About the campo un buen ejercicio teatral para pensar la soledad hoy.

Dramaturgia: Alfredo Staffolani

Actúan: Juan Manuel Niño, María Laura Santos, Paula Staffolani, Mariano Sayavedra, Jesús Villegas y Luz Werner.
Diseño de Iluminación: Mariano Arrigoni
Diseño Sonoro y Selección Musical: Guillermo Barbuto y Alfredo Staffolani
Diseño de Vestuario: Laura Staffolani
Fotografía: Diego del Olio
Diseño Gráfico: Guillermo Barbuto
Prensa: Luciana Zylberberg
Asistencia de Dirección/ Producción: Eliana de Maria, Lucas Depaoli

Dirección: Alfredo Staffolani
Sábados 23:30 - Teatro El Piccolino – Fitz Roy 2056 – TEL: 4-779-0353

Rainer G.
Especial para “Los Restos del Naufragio”

"Parece ser que me fui"

2008-06-11T16:24:00.000-07:00

"¿Algo más tiene que haber?"

"Parece ser que me fui ", un espectáculo superlativo, erigido con mínimos materiales expresivos – el cuerpo de la actriz, algunos objetos, música, iluminación - , demuestra que no es necesaria la fastuosidad para "hacer ARTE", sólo alcanza con el talento, la sensibilidad y el conocimiento de los lenguajes combinados.

Ser clown significa estar clown. Percibir, sentir, accionar
y relacionarse desde un estado payaso, que consiste en
estar contigo mismo, tendiendo un puente hacia los demás
a través de la mirada. El estado payaso es la suma de
todas las particularidades que conforman esta Poética.
El clown, un navegante de las emociones, Jesús Jara. Ed. Proexdra.

Marina Barbera y Raquel Sokolowicz - actriz / clown y directora - nos presentan una obra bella, graciosa y profunda, que serpentea permanentemente sobre las dudas que implican la existencia en el viaje de la vida.
El trabajo corporal que despliega la actriz en escena es realmente sorprendente, con una capacidad suculenta del juego dramático , trazada por los movimientos, los gestos espesos, la velocidad en sus determinaciones y la capacidad de construir el universo diegético a partir del ejercicio de su cuerpo en el espacio y en la interacción con los objetos. Construye una multiplicidad de imágenes que están soportadas por la conjugación de los demás lenguajes expresivos , extendidos en la escena: por un lado, la certera iluminación de Ricardo Sica , que puntúa la acción y el relato; por otro, la música y los sonidos – autoría de Agustín Muñoz- , perfectos disparadores hacia nuevos sitios , efectuando un deslizamiento expansivo del anclaje espacial en el que vive el personaje . Todo un constructo de materiales sígnicos que logran generar un cúmulo de sensaciones en el público a través de las distintas “postas oníricas” que atraviesa la protagonista. Marta, despliega un viaje al interior de sus pensamientos, abriéndole al espectador la posibilidad de escoltarla en el devenir de las elucubraciones que la desvelan, acompañan, intrigan y agradan. La memoria, el recuerdo, la búsqueda, la experimentación de auténticos estadios poéticos, son las características más destacables de este excelente espectáculo.
La directora , Raquel Sokolowicz – también actriz y experimentada docente en la técnica del Clown - , ha conseguido trascender “el estado payaso” , entendido desde el sentido común como la permanente producción de efectos jocosos - difíciles de lograr , por cierto -, para ir más allá con la técnica, obteniendo un espesor dramático poderoso y productivo que surca la risa, perpetrando diversas posibilidades de lectura en el espectador.

Ficha técnica :
Actriz : Marina Barbera
Música Original: Agustín Flores Muñoz

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Fotografía: Jorge Crowe

Diseño gráfico: Andrés Kyle

Producción Ejecutiva: Rebeca Checa
Prensa: Luciana Zylberberg

Asistencia de dirección: Mariano Mandetta

Dirección: Raquel Sokolowicz
Sábados a las 21 hs.Espacio NOAVESTRUZ. HUMBOLDT 1857.Reservas al 4777-6956 . Entrada $20

Conrado Beretta

Especial para "Los Restos del Naufragio"

Tema para "calentar la previa"

2008-06-08T15:45:00.001-07:00

Un juego de sonidos para establecer la "previa " de nuestra puesta en escena semanal .

Separador Sabina

2008-06-08T15:41:00.002-07:00

Otro Separador muy empleado que tenemos gracias a nuestro locutor.

Separador del Programa

2008-06-08T15:37:00.000-07:00

Un pequeño separador para que disfruten. Pivotea con la poética del Tango .

Audio con Promoción del Programa

2008-06-08T15:32:00.000-07:00

Les dejamos aquí un audio con la Promoción del Programa.

Nueva Sección : MANDEN UN DEMO

2008-06-08T07:24:00.000-07:00

Abrimos un nuevo espacio dentro de nuestro programa dedicado a las bandas de música. Queremos difundir aquellas expresiones musicales que no tienen demasiadas posibilidades dentro del conglomerado del mercado de la música y los medios.

Pueden establecer contacto con nosotros vía mail al :

losrestosdelnaufragioradio@gmail.com o los.restos.delnaufragio@hotmail.com

La primer banda que se presentó fue: Bela Lugosi

Formación inicial
Tukán: bajo
Manolo Pereiro: batería
Marcelo Zoloa: guitarra y voz
Mariano Russo: guitarra y coros

Bela Lugosi nació en la provincia de Mendoza, allá por 1993. Desde allí se proyectaron a diversos lugares del país, como San Luis, San Juan y Córdoba, como así también algunas presentaciones en la costa chilena, Villa Gesell, Pinamar, San Bernardo y Mar del Plata.
En 1995 se instalaron en Buenos Aires, para grabar su primer material independiente, "Caballo Florido", con una tirada de 500 unidades que se agotaron rápidamente.
En el 2000 registraron "Qué hago aquí", su primer LP, grabado en los estudios que el grupo Las Pelotas tiene en Córdoba. Justamente con ésta banda han compartido escenarios en infinidad de ocasiones. El corte de difusión fue "Nueve de cada diez".
"Haciendo lo que queremos" (2002) fue grabado en estudio Fader y el Cayo Records, bajo la producción artística de Felipe Staiti. La formación de la banda, por entonces, era Manolo Pereiro (bateria y percusión), Pablo Goldfard (guitarras y coros), Marcelo Zoloa (guitarras, armónica y voz) y Pablo Olguin (bajo y coros).
En 2004 editaron "Decidir" para el sello PopArt, también producido por el ex Enanitos Verdes Felipe Staiti. Con un sonido más crudo, ya que la mayoría de los temas fueron grabados en vivo, este disco se emparenta más con la primera producción.
Bajo el título "Tomándoselo con calma" lanzaron a mediados de 2007 el cuarto disco, en ésta oportunidad con la producción del ex Otro Yo Ezequiel Araujo. El disco cuenta con Alejandro Sokol, Pity Alvarez y Déborah de Corral como invitados.

DiscografíaQué hago aquí,

2000Haciendo lo que queremos,

2002Decidir,

2004Tomándoselo con calma, 2007

Website oficial:http://www.belalugosirock.com.ar/

Para escuchar nuestro Programa (fuera del Vivo)

2008-06-08T07:02:00.000-07:00

Como saben, pueden escuchar nuestro programa en vivo, los sábados de 17 a 20 por Radio Z Digital , pero también ofrecemos la posibilidad de que accedan al audio del programa en cualquier momento, e incluso , escuchen otra vez lo que dijimos. Deben ingresar en la página de Radio Z , ir hasta abajo e ingresar en los Programas emitidos, resaltados en color celeste y con la fecha correspondiente.

Disfruten del programa !

Entrevistamos a nuestro columnista

2008-06-03T15:21:00.000-07:00

El sábado 31 de mayo realizamos una entrevista a nuestro nuevo colaborador , el talentoso escritor y editor, Esteban Zabaljauregui, quién nos hablará sobre Literatura y también nos contará las novedades editoriales , las politicas culturales sobre el campo de la edición y todo lo referente a los libros.

Esteban ha tenido gran repercusión con su última obra : "Llámenme Ismael " , publicada por Editorial Tantalia en 2007.

Dijo Daniel Guebel acerca del texto :

Sexo, violencia, política. Zabaljáuregui conoce bien los secretos de la narración como arte de transformaciones y permutaciones.

La obra puede adquirirse en todas las cadenas de librerías.

"Los Restos del naufragio" posee dos ejemplares para regalar a sus oyentes , gracias a la generosidad del autor. Escribinos a: losrestosdelnaufragioradio@gmail.com para hacerte acreedor de uno.

Aquí dejamos el audio con parte de la entrevista.

Un cúmulo etario de interrogaciones frente al vacío. Crítica de Lote 77

2008-05-30T14:23:00.001-07:00

Audio del sábado 24/05 donde hablamos de Lote 77

Un cúmulo etario de interrogaciones frente al vacío

¿Qué es la crítica, sino la posibilidad de abrir nuevas lecturas y “hacer jugar” la polisemia del signo? ¿Podemos sostener estatutos de verdad frente al ARTE? Mejor dicho, ¿podemos pensar que hay una única verdad, una sola posibilidad de entender algo? Desde luego que no. En el caso de Lote 77, nos encontramos con un paratexto – un programa de mano, muy particular por cierto, como lo pueden ver en la foto presente en este espacio –cuyo discurso postula una problemática acerca del género, de la constitución de la subjetividad en el espacio socio–simbólico: ¿Cómo un hombre construye un varón? Leemos en el objeto citado. De manera acertada, se emplea la palabra “varón”, en lugar de las categorías masculino–femenino; pues, teniendo en cuenta las características del espacio donde se desarrolla la obra –el campo-, el designante “varón” posee un peso simbólico muy específico y determinante sobre la sexualidad de las personas. Frases como: “es un varoncito”, “no llores, sos un hombre, sos un varón”, “a golpes se hacen los hombres, vamos varón”, etc; son comunes en el espacio de anclaje donde acaece la acción.
La masculinidad no es una categoría que se relacione con las preferencias sexuales de un sujeto, en cambio, el referente del significante varón, por el contexto de referencia y el espacio lingüístico en el que se utiliza, implica una serie de condiciones y caracteres que el sujeto nombrado debe poseer: como un temple con basamento, un conjunto de decisiones firmes, una fortaleza nunca vista en la condición femenina, un cuerpo enérgico, pues el discurso machista se edifica sobre la relación cuerpo/sexualidad y la potencia viril es simbolizada por el pene erecto. Pero, ¿realmente de esto se construye un varón? ¿Es necesario un hombre para construir un varón? ¿Un varón se construye?
Más allá de las diferencias, existen varios caminos semánticos, posibilidades de asignar sentidos en distintas direcciones. Hablo de la apasionante libertad que tienen los textos para encontrar en ellos, acaso lo totalmente divergente frente a metalenguajes establecidos y respetados; se trata de un desafío y una responsabilidad ineludible, la de asignar sentido. Desde esta acepción, toda crítica debe ser respetada mientras sea explicitado su anclaje en la mirada de su autor, ya que todo sujeto tiene derecho a expresarse y tomar la palabra. El problema surge cuando, aquellos que detentan espacios de poder, ya en medios, ya en instituciones, intentan instaurarse como los soberanos de la verdad, efectuando juicios sin fundamento ni argumentación, haciendo alarde de algún conocimiento menor que en el reino de la ignorancia es valorado como saber.
En mi caso, el texto logró interpelarme acerca de la ausencia, la oquedad de un rol familiar, el padre no presente y, en definitiva, la muerte. Digo texto y no “obra” porque considero que no hay una intención de entregar al espectador un constructo íntegro, definido y ordenado, sino que se le asigna a la instancia espectatorial un espacio activo y de exhortación constante: deberá estar muy atento al discurrir de los actores–personajes, a los permanentes y extensos diálogos que mantienen entre sí; estableciendo cadenas de significado y asignando estatutos diversos según su capacidad y enciclopedia.
En los parlamentos que profieren los actores existe un atisbo acerca de la cesura entre la biografía de cada uno y el espesor del personaje, un ejercicio de auto-ficción donde cada uno se sirve de su propia memoria para convertirse en sujeto y objeto del relato. Se produce un llamado a quien observa desde la butaca, una demanda de atención sobre las trampas y los juegos del desdoblamiento, de los dobles que se ponen en juego dentro de la escena.
El espacio escénico se destaca por su sencillez e importancia dramática dentro del texto espectacular: un juego de tranqueras dispuestas en el lugar, delimitando una estructura tabulada –redundante junto con el título y el discurso de los personajes– donde se desarrolla el intenso y activo trabajo de los actores, por demás destacable y digno de ponderación.
Una campana –a veces una frase- funciona como puntuación de las acciones a seguir que los actores emplean como disparador del juego escénico, jalonando las secuencias del texto a seguir. “Recreo”, “Práctica de género 1”, “Práctica de género 2”, “Examen escrito”, “Lección oral”, etc.
Si debiéramos establecer una síntesis sobre lo que Lote 77 consigue provocar, podríamos decir que propone un enigma a ser resuelto, una interrogación no sólo sobre la sexualidad, también acerca de los vínculos interpersonales, las relaciones parentales, la importancia del contexto social en tanto sujetos; es decir, una serie de cuestionamientos que el sentido común determina como propios de aquellos individuos que se acercan a las tres décadas de existencia.
Una obra muy particular, marcada por una mirada profunda y lúdica, una experiencia teatral colectiva digna de presenciar para reflexionar y deleitarse.

Conrado Beretta
Especial para “Los Restos del Naufragio”

Ficha:
Actores: Andrés D'Adamo - Lautaro Delgado - Rodrigo González Garillo
Dirección: Marcelo Mininno

Diseño escenográfico: MARCELO MININNO
Diseño de iluminación: ELI SIRLIN
Diseño de vestuario: CAROLINA MAS
Asistencia de dirección: SILVIA OLEKSIKIW
Producción ejecutiva: PABLO MORGAVI

Prensa : Luciana Zylberberg

TEATRO DEL ABASTO - HUMAHUACA 3549
Reservas: 4865-0014

Sábado 24 de mayo

2008-05-23T12:50:00.000-07:00

Este sábado 24 de mayo, el programa de radio LOS RESTOS DEL NAUFRAGIO abordará el tema de El Cuerpo en el arte.
Como siempre, las columnas que ya han consolidado al programa dentro del campo cultural.
Los bares, los enigmas, el vacío, los misterios, las películas, el scoth, los cigarros, la literatura, la
música., desde una mirada innata e innovadora.

El cuerpo y el psicoanálisis; el cuerpo en la poesía – Octavio Paz, Max Blecher, Lorca, Pizarnik, Artaud-; la danza clásica y el cuerpo; los cuerpos dóciles y Foucault; la representación del cuerpo en el cine – Greeneway , Pasolini, Fincher, Cronemberg- ; el cuerpo en la Grecia Antigua ; El Reacimiento; la corporalidad en el Teatro ; las poéticas del cuerpo; las máscaras;etc.

Además , hablaremos de la cartelera actual , específicamente , acerca de la interesante obra experimental :"Lote 77".

Crítica de cine - Cultura - Artes - Política - Periodismo -Poesía - Literatura - Videoarte - Música
Si alquilas tu mente nueve horas por día, ¿Por qué no dedicarnos dos?
Sábados de 17:00 a 19:00 por http://www.radiozdigital.com.ar/ y http://www.argentinaradioz.com.ar/
El programa puede escucharse en cualquier momento ya que queda posteado dentro de la página para ser empleado durante tus actividades.

Una producción de Ronnie und Rainer Produktionen.

Lote 77

2008-05-23T12:45:00.000-07:00

Pueden visitar http://www.lote77web.blogspot.com/ - mail: lote77@gmail.com

Jueves 21 hs en Teatro del Abasto - Humahuaca 3549 - 4865-0014

Compartan con nosotros sus lecturas de la obra, el sábado 24/5 , los esperamos en el programa.

Estuvimos en el Teatro

2008-05-23T12:38:00.001-07:00

Les recomendamos la obra que vimos el jueves 22/05, una excelente opción para ir a ver teatro durante la semana.

El sábado realizaremos una serie de acercamientos lecto - interpretativos para intentar asir el texto teatral y abrir el juego semántico que toda "obra" propone.

Sábado 17 de mayo

2008-05-21T14:22:00.000-07:00

El sábado 17 de mayo , el programa tendrá como tema eje : "El cuerpo".

El cuerpo y el arte , el cuerpo en la danza clásica, la poesía y el cuerpo, los orígenes de la modernidad y el cuerpo, la coerción, la docilidad, la representación del cuerpo en el cine clásico, la fragmentación del montaje, el cine moderno, la posmodernidad y el cuerpo, el psicoanálisis.

Octavio Paz - Max Blecher -

Como siempre, la poesía , la literatura , el teatro, todo elaborado con una exquisita música y una particular visión de aquello que denominamos "realidad".

Código

2008-05-20T14:56:00.001-07:00

clasificados

Sábado 17 de mayo

2008-05-14T17:37:00.000-07:00

EL programa del sábado 17 versará acerca de La locura. Hablaremos sobre el Arte y La Locura , las instituciones totales, el delirio y la poesía, la música, la pintura , el teatro , aunque , como es habitual, siempre volveremos a la locura de vivir aquí.

En un deslizamiento metonímico , se irán desprendiendo tópicos a través de : Fijman, Foucault, Pizarnik, Artaud, Claudel, Maupassant, Hamlet. Además , los estrenos cinematográficos de la semana, las políticas culturales referidas al cine documental en la Argentina - con la participación de Daniel Alejandro Peláez, un cronista especial -, la participación argentina en Cannes , las exposiciones relevantes , todo condensado en una estructura sonora lista para usar.

Los restos del naufragio .

Ya nevó en Buenos aires,

el humo cubrió la ciudad , transformándose en una niebla londinense ,

Los restos del naufragio , aguardando el terremoto.

Sábados (en vivo ) de 17 a 19 por Radio Z digital

http://www.radiozdigital.com.ar/ y http://www.argentinaradioz.com.ar/

o cuando quieras , el audio te está esperando en la página para que lo uses , queda posteado.

Un visión acerca de la radio

2008-05-14T17:33:00.000-07:00

Aquí dejamos una postura acerca de lo qué es la radio para nosotros. Fue levantada de un Blog al que ingresamos mucho: http://tirandoalmedio.blogspot.com

Extrañamos tanto a Quique Pessoa

Además de la esencialidad radiofónica de Quique; Además de su visceralidad, de su “timming” único e irrepetible, hay otras virtudes insignes en su manera de hacer radio que son opacadas por su figura rutilante. A ellas me gustaría referirme dejando sentado desde el vamos que estas líneas tienen la necesaria carga de subjetividad de quién no solo aprendió a hacer radio escuchando a Quique, sino que integró su equipo entre el 2001 y el 2003 en la querida “Once Diez”.Allá por 1999, en el marco de un Congreso Mundial de Comunicación, se montó un Estudio de Radio por el que desfilaron muchísimas personalidades del medio. Cuando le tocó su turno, Quique empezó a “sambar” con su archi conocido huevito y a canturrear casi como un susurro su también clásico:“Estaba sentado debajo del limonero...”Nada más... ni nada menos que eso, canturrear... Nada de tonos altos, de impostaciones cuarteleras, no, todo ahí, abajito...Paulatinamente, el público que abarrotaba la sala fue bajando el tono y en instantes el silencio era absoluto. Y Pesoa con el huevito:“chi qui chi – chi qui chi.. Estaba sentado debajo de un limonero...chi qui chi...”Pesoa creando el clima, delimitando la cancha, llevando a la gente a SU juego, que en radio es Su Clima.Primera lección: “Crear el clima”. Quique siempre sostuvo que la radio es una serie de “climas” y vaya si está en lo cierto. Ese día y en vivo, el tipo creó su clima y luego fue regulando a gusto y placer los sucesivos “climitas” de su improvisación radial.¿Notaste que en la radio actual ya no hay climas? Todo es igual, monótono desde todo punto de vista. ¿Y por qué? Creo que porque es una radio hecha por periodistas generalmente venidos de la prensa escrita. Y la diferencia entre la radio y la redacción de un diario es abismal. Ejemplo: Mario Wainfeld se lucía como comentarista político, precisamente, cuando quien “le manejaba el aire” era Quique. Pero cuando tuvo que tomar las riendas sin ese gran “enganche radiofónico”, lo suyo empalideció y entre otras cosas se quedó sin clima, sin ritmo, sin punch, en suma: Sin radio. Podría arriesgarme a declarar: “Sin climas no hay Radio”Por ahí andan en la memoria los climas de Guerrero Marthineitz; Por ahí anda la gran Betty Elizalde, otra genial creadora de climas; Por ahí anda Alejandro Apo poniendonos el alma en orsay los sábados a la tarde en Radio Continental, pero el resto es intemperie. Radio hecha por periodistas sin swing radiofónico donde, por ejemplo, la música virtualmente desapareció. Ahora se la usa como Separador, y desapareció como cierre contextual de un editorial, que es uno de los momentos más sublimes y potentes de la Radio. Ejemplo: Si luego de un comentario sobre los chicos de la calle se le pega a Mercedes Sosa cantando “A esta hora exactamente / hay un niño en la calle...” inevitablemente se conmueve a la audiencia, entre otras cosas porque tampoco ya casi se escuchan obras de Tejada Gómez. La música desapareció como elemento artístico y como contenido radiofónico. Es patético cuando escuchamos a un conductor decir “Vamos a un tema musical” El tipo no sabe qué va a sonar y hasta dudo que le importe. La música está pensada como Separador. Se estructuran los bloques y se los fragmenta con Tanda o música. Y ni hablar de la música en vivo, eso sí que ya es historia. (Lalo Mir hizo algo en Mitre pero no tenía el valor de lo hecho por Quique, entre otras cosas, porque Pesoa interactúa con los músicos, se les mete adentro y hasta se anima a tocar con ellos, trasciende el rol de mero presentador)Fijate como en pocas líneas nos encontramos ya con algunas “cositas” que fundamentan nuestra “saudade” por Pesoa: “Clima” y “Música”Pero hay algunas cosas mas:Las Cortinas: Históricamente uno enganchaba un programa por sus cortinas. La cortina musical viste al programa y hasta lo perfila. Un programa cortinado con Quincy Jones inevitablemente sugerirá algo distinto a uno cortinado con Arjona...En esta materia Quique también hizo escuela, jugueteando con las cortinas cantando arriba, boludeando, en fin: Haciendo Radio.Las columnas: Un programa de radio, como revista oral que es, requiere de especialistas que hablen de lo que saben ¿Cuántos columnistas encontramos hoy en cualquier mañana radial? Dejando a un costado a los que hacen TV y farándula y deportes, casi ninguno.Producción propia: Pequeño gran detalle. ¿Sabés una cosa? Cuando Pesoa estuvo en radio de la Ciudad, tenía por lo menos dos personas trabajando en producciones especiales. Una nota con una cooperativa yerbatera de Misiones era producida con por lo menos dos semanas de anticipación. Y así en todo. Lo que se resolvía dos horas antes era exclusivamente el punteo de temas políticos del día (que no es lo mismo que “actualidad”) El resto se venía cocinando desde muy atrás. Ejemplo: Un lunes me llamaba esa gran productora que es Paula Niccolini pidiéndome música de Panamá pues el viernes se iba a realizar un enlace con una radio de la patria de Rubén Blades. Así se trabajaba con Quique.¿Qué se conseguía con todos estos elementos? Que el programa sonara siempre único y “distinto” al resto. Que no fuera la monótona rutina matinal de todas radios que enferma por repetitiva y carente de creatividad.Algo similar ocurre con “Marca de Radio” donde uno sabe que cada sábado va a encontrarse con tres horas de radio trabajadas, producidas desde el primer párrafo del editorial de Aliverti, hasta cada informe y segmento del programa.Esto es lo que engrandece aún mas la figura de Quique. Este Quique que nunca tuvo empacho en decir que le “robó” cosas al peruano, a Carrizo y otros grandes. Este Pesoa para quien el hecho de “abrir demasiado el teléfono a la audiencia esconde carencias de producción”. La primera vez que le escuché tal afirmación fue, precisamente, en ese Congreso de Comunicación de 1999. En ese momento no coincidí del todo, pero el paso de los años me demostró que es así. Basta con testear el presente para constatar la gran cantidad de espacios que se cubren con llamados. Es mas, hasta se han hecho programas –como ese lamentable espacio para solas y solos que tenía Hanglin de 22 a 24 en Continental- donde en definitiva las dos horas la cubrían los oyentes dejando sus mensajes. Como me dijo una locutora del SIC “Es el mejor negocio, costo cero en producción y la audiencia te hace el programa...”En programas de FM como “Perros de la Calle”, generalmente el clímax llega con mensajes y salidas al aire de oyentes. ¿Viste? Avanza el oyente como elemento constitutivo del contenido.Pesoa siempre abrió poco el Teléfono, limitándose a leer los mensajes sin responderlos (Cosa que enfurecía a mucha gente) y procede así porque jamás un conductor debe responder el mensaje del oyente dado que se entra en una contienda absolutamente desleal puesto que es el conductor quien siempre tendrá la última palabra y todo el tiempo del mundo para responder un mensaje de 20 palabras.Y bueno, hasta aquí algunos apuntes que persiguen como fin último el rescatar, mas allá de Quique, una forma de entender la radio. Una forma de revalorizar los contenidos valiosísimos de este medio de comunicación al que los grandes conglomerados multimediáticos están transformando en mero “Medio de Difusión”.

Abrimos la puerta y mostramos nuestro estudio

2008-05-13T15:44:00.000-07:00

Les mostramos el pequeño reducto desde el que realizamos Los restos del naufragio , el espacio físico desde el que se origina toda la parafernalia auditiva . Sólo intentamos que nos imaginen allí con las capuchas y nuestra osamenta , acalorados , intentando reflexionar sobre aquello que denominamos : REALIDAD.

Tomar partido

2008-05-13T15:23:00.000-07:00

Aquí les dejamos la nota del Profesor Eduardo Grüner , que tanto comentamos en nuestro programa. Salió publicada en el diario Página 12, el miércoles 12 de abril de 2008.
Lean !
¿Qué clase(s) de lucha es la lucha del “campo”?
En estas líneas, Eduardo Grüner ensaya un juicio provisorio del conflicto agrario. Desde una postura contraria a las medidas “objetivamente reaccionarias” de los productores rurales, señala los “gravísimos errores” del Gobierno, repasa la ideología burguesa de “odio clasista” y advierte que nunca desde la restauración democrática “la derecha había ganado la calle con una base de masas tan importante”. Más allá del carácter ni confiscatorio ni redistributivo de las retenciones —argumenta—, lo que está en juego es la legitimidad del Estado para intervenir en la economía.

Por Eduardo Grüner *
No es, todavía, hora de “balances” más o menos definitivos. Sí de detener, por un momento, la ansiedad, y de ver dónde está parado cada uno. El que esto escribe está en contra de las medidas (sobredimensionadas, extorsivas, objetivamente reaccionarias, y actuadas en muchos casos con un discurso y una ideología proto-golpista, clasista y aun racista) tomadas fundamentalmente por uno de los sectores más concentrados de la clase dominante argentina en perjuicio de la inmensa mayoría. No es algo tan fácil de explicar brevemente. Hay que empezar por señalar una vez más los gravísimos “errores” cometidos por el Gobierno. Están, por descontado, los errores “tácticos” inmediatos: la desobediencia a los más elementales manuales de política que recomiendan dividir al adversario, y no unirlo (y ni qué hablar de, además, dividir el frente propio); o la torpeza de apoyarse en personajes un tanto atrabiliarios de los cuales se sabe que –por buenas o malas razones– van a caer “gordos” a la llamada “opinión pública”. Pero más acá de estos “errores”, están los que no son “errores tácticos”, sino opciones estratégicas: no profundizar en la medida necesaria las políticas (tributarias y otras) de redistribución del ingreso, utilizar buena parte de las (inauditas) reservas fiscales para seguir saldando la maldita deuda; renovar los contratos de ciertos medios de comunicación que, debería el Gobierno saberlo, más tarde o más temprano se le pondrán en contra (y aquí, como en muchos otros casos, se ve cómo una opción estratégica se transforma rápidamente en un error táctico), y que lo hicieron de la manera más desvergonzadamente interesada de las últimas décadas. Ninguna de estas opciones estratégicas son algo para reprocharle al Gobierno. Reprochárselas –al menos, de la manera en que lo ha hecho cierta “izquierda” dislocada o cierta intelectual(idad) bienpensante y ya ni siquiera “progre” que, pasándose de la raya, cruzó definitivamente la frontera hacia la derecha– sería, paradójicamente, hacerse demasiadas ilusiones sobre un Gobierno que en ningún momento prometió otra cosa que la continuidad del capitalismo tal como lo conocemos. Vale decir: un Gobierno propiamente “reformista-burgués”, como se decía en tiempos menos eufemísticos. La situación, pues, no puede ser juzgada sino por lo que realmente es: una puja (no “distributiva” sino) interna a lo que en aquellos tiempos pre-eufemísticos se llamaba la “clase dominante”.
El inmediato mal mayor
Pero, pero: un gobierno legítimamente electo por la mayoría no es directamente miembro de aquellas “clases dominantes”, aunque inevitablemente tienda a “actuar” sus intereses. Y, en un contexto en el que no está a la vista ni es razonable prever en lo inmediato una alternativa consistente y radicalmente diferente para la sociedad, no queda más remedio que enfrentar la desagradable responsabilidad de tomar posición, no “a favor” de tal o cual gobierno, pero sí, decididamente, en contra del avance también muy decidido de lo que sería mucho peor; y si alguien nos chicanea con que terminamos optando por el “mal menor”, no quedará más remedio que recontrachicanearlo exigiéndole que nos muestre dónde queda, aquí y ahora, el “bien” y su posible realización inmediata. Porque el peligro del mal “mayor” sí es inmediato. En estas últimas semanas se han condensado potencialidades regresivas que muchos ingenuos creían sepultadas por un cuarto de siglo de (bienvenido) funcionamiento formal de las instituciones. ¿Exageramos? Piénsese en los “síntomas”, “símbolos”, “indicadores”, y también, claro, hechos. Nunca en este cuarto de siglo la derecha (económica, social y cultural, y no solamente política) había ganado la calle con una “base de masas” tan importante –incluyendo, sí, a esos “pequeños productores” cuyas legítimas reivindicaciones fueron bastardeadas, incluso por ellos mismos, al rol de “mano de obra” de los grandes “dueños de la tierra”–, hasta el punto de transformarse en un verdadero movimiento social del cual mucho oiremos en adelante. No solamente la calle, sino también el aire: nunca antes había sido tan férreo el consenso “massmediático” para apoderarse del Verbo público –como lo dijo inspiradamente León Rozitchner– con el objeto de aturdir hasta el mínimo atisbo de un pensamiento autónomo, no digamos ya “crítico”. Nunca antes las cacerolas habían sido tan bien disfrazadas de diciembre de 2001 argentino cuando en verdad representan –en inesperado retorno a su auténtico “mito de origen”– un septiembre de 1973 chileno. Nunca antes había habido una tan oportuna coincidencia con un aniversario del 24 de marzo. Nunca antes había habido una tan puntual coincidencia con un meeting de lo más granado de la derecha internacional en Rosario. Y ya que de “internacionalismo” se trata, nunca antes había habido una coincidencia tan “contextual” con las avanzadas desestabilizadoras –obviamente fogoneadas desde mucho más al Norte– sobre las “novedades” –no importa ahora lo que se piense de cada una de ellas– sudamericanas, desde las aventuras bélicas de Uribe en la frontera ecuatoriana (y por refracción, venezolana) hasta la feroz ofensiva oligárquico-separatista contra Evo Morales. Nunca antes se había conseguido reimponer el insostenible mito de que es el “campo” lo que ha construido a la “patria” (en una nefasta época esa construcción, se decía, había estado a cargo del Ejército Argentino, que era, al igual que el “campo”, incluso anterior a la nación: una asociación inquietante), cuando, sin meternos con la historia, sabemos que hoy –lo acaba de demostrar impecablemente el economista Julio Sevares– su contribución al PBI es mínima. O el igual de anacrónico mito de que estamos ante una batalla épica entre el “campo” y la “industria”, cuando hace ya décadas que los intereses de esos dos sectores actualmente ultra-concentrados en anónimas sociedades multinacionales –que incluyen, y en lugar destacado, a la “industria cultural” y los medios– entrecruzan sus intereses de manera inextricable, bajo el comando de las grandes agroquímicas, los pools sembradores, o los trusts de exportación cerealera.
El odio de la burguesía
Y a propósito de esto último, que atañe a la estructura de clases en la Argentina actual, nunca antes –posiblemente desde el período 1946/55– se había desnudado de manera tan grosera y frontal la violencia (por ahora “discursiva”) de la ideología de odio clasista de la burguesía y también de cierto sector de la llamada “clase media”; es este odio visceral e incontrolable, y no alguna desinteresada defensa del mitificado “campo”, es ese clasismo-racismo, él sí “espontáneo”, el que constituye la verdadera motivación para participar en los “piquetes paquetes”, desentendiéndose de la “contradicción” de estar orgullosamente haciendo lo mismo contra lo cual putean cuando se les corta la huida por Figueroa Alcorta. Que nunca haya sido tan pertinente, pues, el análisis de clase para juzgar un conflicto, no significa ejercer ningún reduccionismo de clase: las “clases altas” y las “clases medias” no tienen, es obvio, los mismos intereses materiales inmediatos; pero en la Argentina hace ya muchísimo que las segundas subordinaron sus intereses materiales a largo plazo a su patética, servil, identificación con los de las primeras, y es por eso que tan a menudo han trabajado de “mano de obra” de ellas, y en las peores causas. No hace falta ser un sofisticado marxista para entenderlo: bastaría citar la diferencia elemental –que constituye el ABC de la más básica sociología “estructural-funcionalista”– entre grupo de pertenencia y grupo de referencia.
Se equivoca pues la primera mandataria al decir que lo que se juega en este conflicto nada tiene que ver con la lucha de clases. Una vez más, no cabe reprochárselo: ella es peronista, y por lo tanto lo cree sinceramente. El problema es que crea que basta creerlo (o desearlo) para que la cosa no exista. No advierte, tal vez, la paradoja –por otra parte perfectamente explicable por la propia historia del peronismo histórico– de que el Gobierno que ella preside, aunque en “última instancia” represente compleja y ambiguamente, y con algunos escarceos defensivos de la autonomía del Estado, los intereses estructurales de la “clase dominante”, para la ideología estrecha de esa clase dominante, que ha hecho tan buenos negocios en este último lustro, representa los intereses (¿habría que decir: “simbólicos”?) de las otras clases, y por lo tanto su gobierno es el chivo expiatorio del “odio de clase” en una época en que, por suerte, ya no pueden hacerse pogroms masivos ni aplicarse científicos planes de exterminio colectivo. La clase dominante argentina está desde siempre acostumbrada a no tolerar ni siquiera aquellos tímidos escarceos “autonomistas” por parte de ningún gobierno (por lo menos, de ninguno “civil” y legalmente elegido: porque sí toleraron la mucha “autonomía” estatal de que gozaron las dictaduras militares para aplicar sus políticas económicas tanto como represivas). Aquella famosa consigna setentista –“Y llora llora la puta oligarquía, porque se viene la tercera tiranía”– era, entre otras cosas menos defendible, una ironía sobre el sempiterno tic de la burguesía, consistente en calificar de “tiránico”, “autoritario” o “dictatorial” (aunque en estos tiempos posgramscianos se diga “hegemónico”, como si la hegemonía no fuera el objeto mismo de la política) a cualquier gobierno, sea cual fuere su política, que osara insinuar que algunas cositas menores las iba a decidir él. Aunque parezca inverosímil, los acusaron de “comunistas”, “socialistas”, “nazifascistas”, sólo porque intentaron tomar algunas decisiones que, sin ser claramente opuestas a los “intereses dominantes”, no representaban una obediencia automática y directa a los amos del Capital.
La lucha de clases
Nada muy diferente está sucediendo ahora: puesto que llevamos un cuarto de siglo de democracia institucional, es en nombre de esa misma “democracia” que se usan los mismos (des)calificativos contra este Gobierno, al que se identifica, disparatadamente, como la otra parte en la “lucha de clases”. Y tal vez la Presidenta, aunque oscuramente, intuya esto, y por ello se defiende de lo que toma como una “acusación”. Pero, lo lamentamos: la lucha de clases no existe, pero que la hay, la hay. Muchos “progres”, al igual que este Gobierno, creen que no la hay porque las masas populares no están movilizadas en una contraofensiva dirigida al avance de la derecha. Pero, primero: las clases dominantes también luchan: la aplicación sistemática, sea a punta de bayoneta o por políticas “pacíficas”, de la reconversión capitalista “neoliberal”, eso es lucha de clases, emprendida por la clase dominante contra las dominadas y sus aún magras conquistas anteriores. Como lo es claramente el mantener desabastecidos a los sectores populares, con su inevitable consecuencia inflacionaria (algo que, a decir verdad, viene ocurriendo indirectamente desde mucho antes, dadas las cuotas de exportación ayudadas por el dólar alto y el consiguiente desequilibrio entre oferta y demanda en el mercado interno). Segundo: si las masas populares están desmovilizadas, también es porque este Gobierno (y sobre todo todos los anteriores, si bien éste no ha hecho nada importante para subsanarlo, limitándose en este terreno a administrar lo ya acumulado) las ha desmovilizado, aun cuando en defensa propia le hubiera convenido, incluso con los riesgos que hubiera representado para un gobierno “reformista-burgués”, tenerlas a ellas en la calle antes que, pongamos, a D’Elía o Moyano (y se entenderá, suponemos, que con esos nombres estamos simplemente haciendo una taquigrafía, y no imputaciones a personas). Como no las ha movilizado, la ofensiva de clase de las fracciones más recalcitrantes de la burguesía fue contra su “adversario” visible, el Gobierno: otra, y para nada menor, opción estratégica transformada en error táctico.
En fin, no estamos –hay que ser claros– ante una batalla entre dos “modelos de país”; el modelo del Gobierno no es sustancialmente distinto al de la Sociedad Rural. Pero la derecha y sus adherentes ideológicos no toleran la más mínima diferencia de “estilo” con su modelo, del cual creen ser los únicos dueños, y sus primeros benefactores. ¿Tomar conciencia de ello hará que el Gobierno, aunque fuera “en defensa propia”, pergeñe un “modelo” diferente? No parece lo más probable. Tiene razón Alejandro Kaufman: todo esto no nos ha hecho pasar a la “gran política”; pero también es cierto que, bien jugada, podría ser la ocasión de al menos atisbar ese pasaje a una suerte de “gran relato” de la política. De que nuestros debates principales ya no sean (aunque por supuesto habrá que seguir haciéndolos, en otra perspectiva) las mentiras del Indec o el dinero de Santa Cruz emigrado a Suiza, sino los que atañen, efectivamente, al “modelo”, incluyendo un modelo integral y planificado a largo plazo para el “campo”. Pero si esta ofensiva de la derecha triunfa, esa ocasión se habrá perdido por décadas.
La legitimidad del Estado
En este relativamente nuevo contexto, no podemos quedar atrapados (otra vez, sin que haya dejado de ser necesario hacerlas también) en las discusiones sobre los detalles “técnicos” del conflicto. Hoy, ahora, el problema central ya no son (y tal vez nunca lo fueron en serio) las benditas “retenciones”. En un registro “puramente” económico –lo acaba de demostrar Ricardo Aronskind– ya se está discutiendo la renta a futuro del 20 por ciento de los “dueños” que controlan el 80 por ciento de la “tierra”, y no centralmente las retenciones actuales. Ya lo sabemos: ni el aumento de las retenciones móviles a las rentas extraordinarias del “campo” supone, no digamos ya una medida “confiscatoria” (¡¡!!), sino ninguna “pérdida” importante para un “campo” que nunca ha ganado tan extraordinariamente; ni, del otro lado, es estrictamente cierto que las retenciones sean una medida ampliamente “redistributiva” que vaya a mejorar decisivamente la brutal injusticia social que aún campea en la Argentina. Pero esto no significa que las retenciones (no, claro, por sí mismas, pero sí en la trama de una política nacional articulada que incluyera muchas otras medidas) no podrían y deberían contribuir a esa redistribución. Si la derecha gana, se habrá creado un peligroso antecedente de deslegitimación de la intervención del Estado en la economía, y esto impediría, o al menos obstaculizaría gravemente, que este Gobierno (si es que en algún momento reorienta sus opciones estratégicas) o cualquier otro futuro, sí utilizara las retenciones u otras medidas semejantes con fines redistributivos. Eso, en el mejor de los casos. En el peor, una parte nada despreciable de la sociedad argentina habrá completado un enorme e integral giro a la derecha del cual difícilmente habrá retorno. La situación obliga, a todo el que sienta una mínima responsabilidad ante aquella sociedad, a sentar con la mayor nitidez posible una posición. Insistamos: no necesariamente a favor del Gobierno, sino inequívocamente en contra de intentonas que a esta altura ya nadie puede dudar que son intencionalmente o no (pero más bien sí) “desestabilizadoras”, “golpistas”, “reaccionarias”. Los “golpes” ya no son hechos con tanques e infantería, pero no por eso han caducado: la especulación económica, la insidia mediática de las medias verdades y las enteras mentiras, la corrupción verbal de los epítetos clasistas y racistas, la confusión consciente de la parte con el todo –sea a favor o en contra del Gobierno o del “campo”– suelen tener un efecto más lento pero incomparablemente más profundo que los mucho más visibles uniformes con charreteras. El Gobierno deberá tomar cuidadosa nota de las “novedades” que se han producido. Y también, y sobre todo, deberemos hacerlo nosotros, los que –sin ser totalmente o siquiera en parte “pro-Gobierno”– no tenemos derecho a equivocarnos sobre dónde está el peligro mayor. Sobre dónde estará: porque esto –tregua o impasse o compás de espera, como se quiera llamarlo– recién empieza.
* Sociólogo, ensayista, profesor de Teoría Política y de Sociología y Antropología del Arte (UBA).

Sábado 10 de mayo

2008-05-07T17:15:00.000-07:00

El sábado 10 estaremos festejando nuestro primer mes. Tendremos al mayo francés como tema eje de la emisión , hablando acerca de películas , libros, teatro y demás acercamientos estéticos realizados sobre el hecho histórico. Los debates acerca de la modernidad, la posmodernidad, el fin de la politica, el estallido de las minorías.

Además, las noticias de la semana desde un ejercicio de la mirada distinto - es decir, sin estar en el "llano" como Joaquín, sin cobrar "los dos sobres " como Marcelo y Gustavo , sin ser "independientes"-, los estrenos de la cartelera teatral local, los comentarios de lecturas recientes, la música , alguna poesía y demás yerbas.

"Los restos del naufragio" , en contra de todos y a favor de ninguno , un programa hecho sin amor.

Crítica de cine – Cultura – Artes – Politica – Periodismo -
Poesía – Literatura – Videoarte – Música
Si alquilas tu mente nueve horas por día, ¿Por qué no dedicarnos dos?
Sábados de 17:00 a 19:00 por http://www.radiozdigital.com.ar/ y http://www.argentinaradioz.com.ar/

El programa puede escucharse en cualquier momento ya que queda posteado dentro de la página.

Los restos del naufragio

2008-05-05T12:53:00.000-07:00

Comienza el programa del año , "Los restos del naufragio", un viaje hacia ninguna parte.
Dos voces antirradiales se unen frente a un pequeño micrófono, en un sitio cualquiera de la ciudad de Buenos Aires, para arremeter contra la rutina y marcar a fuego el aire de la web.
Un programa sin género, sin formato , sin estructuras , con la aparente evanescencia de la transversalidad como marca.
Critica de cine , Artes Plásticas, Teatro, Danza, Literatura, Poesía , Música, Políticas Culturales. Todos los temas en un espacio, con una mirada que seguramente no es la tuya, pero existe.
Una imperfecta combinación de incorrección política, irreverencia, malestar e improvisación.
Con una programación musical excelsa , organizada especialmente para cada emisión, la agenda política del día , los temas culturales, las diversas manifestaciones estéticas, los libros, las canciones, los bares, los enigmas ; todo combinado en una materialidad sonora dispuesta para la fruición del oyente.
No esperes más ... escuchá "Los restos del naufragio" por http://www.radiozdigital.com.ar/ y http://www.argentinaradioz.com.ar/. Los sábados de 17 a 19 (en vivo) o cuando quieras , el audio te está esperando en la página para que lo uses .